Eduardo Gudin & Noticias dum Brasil

Cada persona tiene un mapa geográfico propio de preferencias, a veces apenas abarca una ciudad, otras un continente y otras es inmensamente grande Esto no es ni malo ni bueno siempre que tengamos una ilusión por conquistar nuevos territorios para ampliar nuestro propio universo musical.
Es verdad que hablo mucho de artistas de Brasil, quizás porque siento un cariño especial y una fuerte atracción por su música y por su cultura.
Yo conquisté el territorio Eduardo Gudin hace bastantes años en aquel programa que ya he comentado en otras ocasiones "Cuando los elefantes sueñan con la música".
Nacido en Sao Paulo es dificil decir qué es lo que Eduardo Gudin no ha hecho aún en el terreno musical, un hombre muy completo.
Eduardo Gudin & Noticias dum Brasil fue publicado en el año 1.995 pero es un trabajo de siempre, como toda la obra de Gudin, es el Brasil eterno. No se ha prodigado mucho en publicar discos, Gudin se considera un apasionado de su generación ¡Pero que generación! ahí estaban y están todos los eternos de Brasil: A. Carlos Jobim, Elis Regina, Paulinho Cesar y contemporáneos como Caetano Veloso, Maria Bethania, ... la lista sería infinita.
Además de un buen compositor y músico, Gudin es un excelente poeta intimsta que cuenta como nadie escenas del Brasil de siempre. Y esto, no es en absoluto peyorativo, ese Brasil siempre existirá en la memoria inagotable de los tiempos.
Noticias dum Brasil recoge un reparto de voces en el que Gudin ha puesto su máximo empeño, cada canción tiene una personalidad única en la voz de quien la interpreta y se ajusta " a medida" Como en las citas es fácil olvidar nombres prefiero únicamente reducir este campo a unas de las voces con las cuales comencé a conquistar a Gudin: Monica Salmaso quien luego continuaría una importante carrera profesional en la música.
Quien busque novedades puede empezar a olvidar este disco y todo lo dicho aqui Eduardo Gudin & Notcias dum Brasil es como esa postal que nos dice: Esto es Brasil. No cambia porque no está sujeta a los dictados del tiempo sino a los del sentimiento que en cada uno pueda despertar.
Y como no hay mejor presentación, ni mejor discurso que el de uno, os dejo el enlace. El territorio merece ser conquistado.
http://www.eduardogudin.com.br/index.html

2012:una obra maestra del s. XXI

En el dificil trabajo de explicar lo que una música encierra o el sentimiento que en cada uno de nosotros despierta, y sin escudriñar en el complejo mundo de la teoría de la recepción, quisiera hablaros de la Banda Sonora de la superproducción 2012 estrenada hace pocas semanas en las pantallas de todo el mundo.
Primero, sobre el nuevo concepto que deberíamos empezar a tener en cuenta sobre el arte, pues, ha dejado de ser individual para responder a un trabajo creativo compartido en el que intervienen un gran número de personas aunque la base creativa recaiga sobre sus principales compositores. No es nada nuevo, sin orquesta no exisitiría la novena de Beethoven, ni tampoco sin público, sin empresarios teatrales, pero este nuevo concepto implica más a las partes y no depende tanto del talento creativo, sin desmerecerlo, por supuesto.
La música, es hoy en día, una materia prima explotada y enriquecida por un importante número de agentes que en ella intervienen. Entre este entramado no podemos nunca olvidar a los músicos de The Holliwood Studio Symphony, la maquinaria que mueve cualquier proyecto serio en estos tiempos.
Pero sería injusto no darle el lugar que merece Harald Kloser y Thomas Wander, dos compositores austríacos que tienen ya entre otras a Alien vs o El día despues, como obras maestras del soundtrakc. Y esperamos y deseamos que continúen muchas más, por el bien de la música y de nuestros oídos.
Ni que decir tiene la calidad de esta producción. Por eso, prefiero hablar de algo, tal vez, menos evidente, la estrucutra musical.
La obra orquestas de Kloser y Wander respira ese desalentador panorama visionario de nuestro futuro más próximo. Se siente verdaderamente y compunge en su sentido más literal del término. La gran masa musical se enriquece con los avances tecnlógicos de grabación en estudio pero también con la interpretación. Complementando ese paisaje fatalista merece atención especial el uso de los coros, un recurso asociado al teatro griego que nos acerca más a una dimensión humana y no a la de los ángeles, es como si toda la humanidad estuviera representanda en ese lamento e impotencia del devenir. Tampoco debemos dejar a un lado, la importancia que se concede a la percusión y que nos muestra una música más propia de nuestro siglo creando texturas multitímbricas que parecen determinar la inexorable fuerza del destino, el inevitable desastre que no admite concesiones. Las escenas se pueden "vivivi" sin necesidad de la imágen, lo que hace aún más grandiosa esta obra musical.
Por todo lo dicho, 2012 en general, y musicalmente en particular, merece el respeto de cualquier crítico, guste o no guste el arugemento que en ella se plantea, sea exagerado, inconmensurablemente fatalista o deprimente. Una obra de arte no debería juzgarse de este modo, sino a través de sus elementos, de sus recursos y del macroesfuerzo que supone llevarla a cabo. Sin duda, Madonna, llenará y recaudará más taquillas, pero por supuesto, no será nunca una obra de arte

Poltergeist: están ahí

Uno de los géneros musicales más olvidados y aún sin un estudio serio, es el de la banda sonora de películas o soundtracks.
Es dificil no ver en este género, un claro heredero de la música escénica que durante siglos ha inundado y recorrido toda Europa, transportada ahora al séptimo arte. Ningún compositor de prestigio de épocas anterires que se preciara no habría dudado en escribir su banda sonora, de hecho, desde mi punto de vista, es el único enlace actual que nos comunica con la música que se desvinculó en el siglo XX con la vanguardia, el atonalismo, la música experiemental y tantos otros proyectos, que por supuesto, dejarán huella en la Historia de la Música, pero no en la del corazón. Pero no entraremos ahora en conceptos musicales que corresponden a los musicologos, a los compositores y a los intérpretes.
Una de esas bandas sonoras que marcan es esta que hoy os presento. Poltergeist se rodó, la primera, en 1.982 y la música fue encargada a Jerry Goldsmith, quien nos dejara en 2.004. Este genial compositor no es un desconocido, pues a él le debemos entre otras bandas sonoras: La Profecía, Star Trek o Alien.
Goldsmith supo buscar más allá de los elementos clásicos y probó con gran fortuna en el mundo de los sintetizadores y la música electrónica combinándola con gran maestría con las orquesta sinfónica.
En Poltergeist, el tema principal está presente de una forma u otra en todos los cortes (un recurso que no mantuvo en su continuación Poltergeist II). Dicho tema, es una sencilla melodía que Goldsmith convierte en obra maestra enriquecida de texturas, sonoridades, variaciones, timbres, etc, y que se adapta perfectamente al carácter de su protagonista principal Carol Anne (Heather O’Rourke). Pero, al márgen de este bello eje temático de la obra, Goldsmith sabe encontrar en todo momento el equilibrio necesario entre los extremos (el bien y el mal) a base de buenas ideas y recursos tímbricos, rítmicos y métricos.
No es un secreto la influencia de mi música en este género, realmente lo que siempre busco es un elemento que una todas mis piezas dándole un sentido a un concepto único, a modo de pequeñas modestas soundtracks. Incluso el álbum más heterogéneo MIRADORES (2.003) tiene ese fundamento de la unión sobre las partes, de algo global, pero que mantiene la autonomía de cada pieza.
Espero, que algún día, las bandas sonoras entren en la Historia de la Música como un género de nuestro tiempo con igual derecho que lo hace la llamada música de vanguardia, contra la que no tengo nada que objetar, ni nada que decir.
Os dejo con el tema principal de Poltergeist que teneis junto al título de este artículo. Porque ellos (los compositores de bandas sonoras) están ahí.

El espiritu de Chopin

No puedo negarlo, Chopin es desde mi niñez, mi músico predilecto. Me cautivó cuando yo era apenas un niño de ocho años en las maravillosas manos de una pianista brasileña: Guiomar Novaes.
La paulistana que nació en los finales del s. XIX hija de una familia numerosa no ha pasado a la historia con demasadiado reconocimiento, al menos, a nivel europeo.
Sin embargo la dilatada carrera de esta mujer brasileña que dió a conocer las obras de Villa-Lobos en Europa, que se codeó con Debussy y otros compositores en su estancia en Francia y que viajó constantemente a EE.UU. donde su arte fue más valorado, fue el espiritu vivo de Chopin, al que ella gustaba interpretar y ´¡de qué manera lo hacía!.
Es dificil valorar objetivamente qué diferencia la interpretación de Guiomar de las de otros intérpretes como Maurizio Pollini o el mismo Arthur Rubinstein por citar algunos conocidos. La verdad, tampoco sé si es posible dar una opinión objetiva en este sentido.
Lo cierto, es que los vals de Chopin suenan con este tono romántico y nostálgico del compositor, cargado de sensibilidad y brillantez. Novaes hace un uso muy particular de los tiempos libres, recreándose en ellos huyendo de la dictadura de la medida, sin perder un ápice del sentido musical que la obra requiere.
En palabras de la propia Guiomar, no necesitaba de siete u ocho horas de estudio, decía no tener paciencia para eso, y sin embargo, su destreza, su técnica no tiene ningún rasgo de falta de dominio, de expresión, de sentimiento.
Tras el estallido de la segunda guera mundial, Novaes volvió a su Brasil con frecuentes viajes a EE.UU. y vivió hasta los 85 años, muriendo en Sao Paulo.

El hombre sin pasado

Hace unos días que volví de Düsseldorf, una ciudad alemana situada en la Renania Norte. Resulta extraño pensar que en Centro Europa, cuna de las grandes revoluciones que han pasado por nuestra Historia, el terrible azote del olvida también está haciendo mella.
Indudablemente hay algo que está cambiando y que puede ser fruto de la globalización y de una historia común, con hombres y mujeres de muchos lugares. Sea como sea, como artista, yo no estoy satisfecho con ese cambio.
Tuve la suerte de visitar la Casa Múseo de Göethe, una verdadera historia viva de nuestro pasado más reciente y ya fue una gran sorpresa ver un irriosorio precio de tres  euros para algo que verdaderamente no tiene precio, pero peor aún fue cuando la persona encargada nos dijo que era GRATIS y que sólo se aceptaban donativas.
Entonces pensé que tal vez el periodo estival no invita a los germanos ni a quienes visitan esta bonita ciudad alemana a repasar nuestra historia o como mínimo a disfrutar de ella.
Pero no era el único museo que estaba vacío, visitamos también otro dedicado a la cerámica de varias culturas.
Decepcionados nos preguntábamos: ¿qué está pasando con el arte?. La respuesta era bien simple: no interesa.
Y esta pregunta ya se la planteaban mis profesores de Historia de la Música, los cuales manifestaban que la Historia cada vez menos forma parte de nuestras nuevas generaciones, de nuestras identidades.
El planteamiento es serio y es para reflexionar sobre él. No sé si extensivo a otras ciudades, a otros países del resto de Europa.
Escuchar, con mis respetos, a Julio Iglesias o la rumba española como modelos de nuestra música me dió mucho que pensar sobre qué tipo de cultura estamos exportando y si son estos verdaderamente los parámetros que rigen el arte del nuevo siglo veintiuno.

VOLVIENDO A LOS ORÍGENES Y LAS GRANDES DUDAS

Si pudiéramos decirle a Mozart, Vivaldi, Beethoven, o cualquiera de tantos compositores eruditos o amtaeurs, que la música podría ser grabada y que con ello resolvería gran parte de sus desequilibradas economías posiblemente se morirían de risa.

Lo cierto, es que la música grabada lejos de sus fines primitivos y del esplendor no tan lejano no cubriría las expectativas antes citada ni siquiera para pagar los gastos.

¿Qué papel cumple entonces hoy en día? Salvando a los melónamos, a los fans, a los curiosos y poco más, la música grabada carece de un carácter mercantil, una evidencia que es palpable en la caída de las empresas dedicadas a la venta de música, llámese CD, mp3 u otros formatos disponibles o en el fracaso de las ventas online de aquellos sitios esforzados en salvar al arte de la música del servilismo en el que se encuentra actualmente.

Volvemos entonces a nuestros orígenes, en el que la música de tú a tú era la única posible, a las plazas de los pueblos, a los salones de concierto, al contacto directo de quien paga por ver con sus propios ojos el arte.

Pero sería también dudosa esta nueva aproximación o exigencia del músico actual. ¿Realmente se llenan las salas de conciertos? ¿Tiene conciencia el pueblo de que para una profesión como la de artista es necesario cobrar? ¿Le importa esto?

Es por esto, que ese lugar en que ha sido relegada la música grabada de ventana publicitaria del espectáculo en vivo no se sostiene tampoco.

Otro de los grandes problemas que presenta y que diferencia la música grabada de la sala de concierto es la propia evolución de la música: aplicaciones tecnológicas no siempre posibles de ejecutar en directo, incremento del número de músicos necesarios imposible de mantener por la falta de contratos que amparen un espectáculo en toda regla. Pero no nos engañemos, los mismos problemas tuvo nuestro Johan Sebastian Bach, Joseph Haydn y tantos otros que ante la falta de sensibilidad para con su obra tuvieron que reducirla a meros esbozos de un gran proyecto.

Por tanto, no nos engañemos, ni queramos engañar al pueblo. La música grabada para mantenerse precisa de un mercado exigente, selectivo que contribuya al sostenimiento de nuestra cultura  y no una burda secuencia de gente empeñada en el marketing y el merchandasing que desde luego dista mucho de beneficiar al artista.

Asnografía 2.009

Hoy fue presentado en CD Baby, mi sexto álbum: Asnografia.
Este álbum es una extensión de la obra de Juan Ramón Jimenez, Platero y yo, pero no una segunda parte de Plateroideología.
El trabajo está enfocado menos al personaje principal y más a los personajes secundarios o a los paisajes.
Es un trabajo con muchas referencias españolas, incluída unas variaciones del tema tradicional del Conde Olinos, pero también en la línea orquestal que me caracteriza de utilizar instrumentos clásicos.
Los temas se ajustan a las características de cada personaje o ambientación. Por ejemplo, Granadilla son unas alegrías de Cádiz, Sarito tiene pinceladas del danzón; y otras son de corte más romántico, como Paisaje grana.
El piano tiene un papel preponderante a excepción del corte que dá titulo al álbum que está construído en un trío de viento de madera.
Como siempre, se trata de una autoproducción en colaboración con CD Baby.
http://cdbaby.com/cd/berekeke6

Por la memoria de Michael

No sé de qué manera Michael Jackson pasará a la historia: si por sus escándalos o por su talento. En realidad, no creo que él le importe. De hecho, ningún artista que se estime no está exento de polémica y para ejemplos podríamos llenar miles de páginas.

Para mí, personalmente, que crecí en la época del Thriller, Michael significó mucho. Y no sólo por el track que dá título al álbum, sino por todo el contenido que dicho álbum tiene, incluida la quegrabara junto a Paul McCartney.

Situar al menor de los Jackson en una familia de enorme dedicación a la música, especialmente al soul, resulta sencillo cuando se desprende su innato dominio propio de los niños prodigio, y Michael, sin duda lo fue.

En estos días, muchos blogs, revistas, noticias, etc llenarán páginas y páginas de nuestro Michael, por eso, no quiero que este sencillo reconocimiento se convierta en lo que muchos utilizarán para sus ventas y reclamos: el lado negativo de los artistas. Sobretodo por dos razones: la primera, el respeto que cualquier persona se merece y la segunda por el sufrimiento personal que Michael arrastró de por vida, sepultado antes de muerto.

Si hubiera vivido en la época de Mozart, otro niño prodigio, posiblemente hubiera caído en el más absoluto olvido y tan solo como lo hiciera el genial compositor vienés. Pero, Michael tuvo la suerte de ser un ídolo en vida, reconocido y respetado más allá de su país de orígen, una figura universal del pop y además tendrá la suerte, y debería enorgullecernos, de un sepelio digno no sólo de un gran artista, sino de cualquier ser humano.

La mejor manera de finalizar esta memoria sería con un gran gospel que espero le sepan brindar sus compatriotas.

Requiem in pace, Michael

¿DÓNDE COMIENZA EL ARTISTA Y DÓNDE EL FANTOCHE?:CLAVES DEL ÉXITO.

La Historia del Arte y más en concreto de la Música, ha estado en las últimas centurias sometida a lo que se denominaba “el gusto”. Partiendo de esta premisa, es evidente que dicho gusto es cosustancial a otro fenómeno llamado “moda” y que ésta a su vez depende del contexto social y cultural de cada época que impone una determinada estética.

Es muy dificil establecer qué es bueno, y qué es malo, menos dificil es saber donde está el término medio: la medriocridad, fácilmente detectable. Pero entreo lo malo y lo bueno intervienen infinidad de factores y variables que pueden moverse en su arco de un extremo al otro.

Veámoslo con un ejemplo:

El surgimiento del movimiento punk y concretándonos The sex pistols. Si nos atreviéramos a realizar una encuesta sobre en qué parte del arco se corresponderían, veríamos con total certeza un efecto asombroso. Por un lado, un gran sector anterior al punk habrían marcado como malo, pues fue un estilo transgresor que rompía cualquier molde y además resultaban un componente subversivo en una sociedad tan estilizada como la inglesa. En esta misma parte del arco cabrían situar a las generaciones posteriores al punk (a excepción de los nostálgicos); ya que las estéticas fueron bien diferentes y más estandarizadas. En la otra parte del arco, es decir, entre aquelll@s que consideran a The Sex Pistols como buenos. Y excluyendo a una gra parte, estarían el elemento generacional.

Pero para que un movimiento tenga fuerza es necesario otro elemento fundamental: la expansión, aunque no necesariamente vinculante. Quiero decir, si The Sex Pistols, que son nuestro ejemplo-muestra se hubieran mantenido en un barrio suburbio de Inglaterra, posiblemente nadie hablaría tanto del punk o de ellos mismos.

Siguiendo con otro cirterio, el arte siempre se ha mostrado caprichoso, pero tal vez, sin este capricho, no hubiera sido posible la heterogeneidad. Habría que sumar a este hecho, la cuestión de la generación rebelde que a cada corriente, como propia de un ciclo, corresponde. Por ejemplo el dodecafonismo rompía con cualquier esquema anterior de tonalidad que venía manteniéndose desde siglos.

Otra de las cuestiones importantes en el Arte, es el llamado “factor sorpresa” y de eso tenemos en la actualidad infinidad de ejemplos ya que es la única manera de distinguirse de otros. Es el caso, del Chiquilicuatre.

Resulta, por tanto una tarea infructuosa, establecer las barreras entre el artista y el fantoche, que quedan marcadas por innumerables factores: educación cultural, valores predominantes, marketing, status social, status académico, etc

Un artista, en muchos casos, no es dueño de su época, sino de posteriores, y si lo es, por un tiempo limitado, el llamado “tiempo de felicidad ilusoria”.

Saludos cordiales,

berekekê

INNOVATORS II: Kurt Bestor & Sam Cardon

Pasada ya la fiebre de las Olimpiadas, me gustaría recomendaros un buen álbum que vió la luz hace ya algunos años, exactamente en el 2.002 publicado por el sello Treble V del cual no tengo referencias savlo que fuera en él donde ambos compositores editaran algunas de sus obras.

INNOVATORS II: Keepers of the Flame fue descubierto por mi en aquel mítico e infelizmente desaparecido programa de Radio 3, Diálogos 3, presentado por Ramón Trecet.

Es un álbum muy versátil y para que nos vamos a mentir, a mi hay temas que no me apasionan mucho, pero tiene otros que son verdaderas joyas para coleccionistas y amantes de la buena música.

El álbum estaba respaldado por The World Olympians Association y sus autores son Kurt Bestor y Sam Cardon. El primero de ellos, nacido en el estado norteamericano de Wisconsin, es compositor, arreglista e intérprete de tradición musical familiar. El segundo, nacido en el Estado de Colorado (por cierto, pocas referencias hay en internet a este dato ¿ocultarlo?) también compositor, músico y productor. Ninguno de los dos son desconocidos, pues han compuesto para series de televisión y peliculas.

Bien, ¿y cuáles son las joyas?. Como seimpre digo, la música es un arte y como tal subjetivo. Yo destacaría The shadow catcher, un maravilloso tema ambiental con influencias célticas, Pas de Deus Éternelle, de corte clásico y una sensacional interpretación del violinista Igor Gruppman y la chelista Ellen Bridger. Y la quinta esencia del álbum dedicado a la gimnasta Nadia Comaneci, Perfectiune con la envolvente voz de Karen Jacobsen. On Valkyrien Wings, un soundtrack en toda regla con una oruqestación impresionante. Y el último que cierra el álbum Sarajevo de estilo más étnico con Linda Strawberry y Jenni Jordan en las voces.

Os dejo también dos enlaces de los sites de sus compositores.

http://www.kurtbestor.com/index.php?page=news

http://www.samcardon.com/

Puede que os resulte dificil encontrar este álbum pues parece que fue una edición limitada, pero desde luego, merece la pena. Que lo disfruteis.

Egberto Gismonti: cuando los maestros hablan

Desde que muriera Heitor Villalobos, Brasil ha vivido eclipsado por la genialidad del compositor. Si bien es cierto, que es la historia la que hace a los hombres grandes, o aquellos que sobre ellos escriben, va siendo hora ya de hablar de Egberto Gismonti.

Ser un músico en Brasil es un gran handicap, ser un genio, una carrera hacia la incomprensión, y aunque la música de Gismonti respira aroma brasileño como también lo hizo Villalobos, no es fácil ser entendido ni valorado con un criterio juicioso. Por eso, y como muchos compositores, es más reconocido fuera que dentro.

Nació en Carmo, Rio de Janeiro en el 1.947, hijo de emigrantes y músicos que le aportaron mucho a su talento creativo y a su forma de concebir la música. A los seis años comenzó su carrera de piano, pero también es un experto guitarrista y domina otros instrumentos. Vivió y completó su formación en París. También estuvo un tiempo viviendo en el Amazonas con tribus indígeneras.

Hasta el año 2.003, Egberto Gismonti tiene la friolera de 97 álbumes grabados, y puede decirse que ha probado todos los estilos y géneros posibles de música. Compuso también para el cine y el teatro, principalmente, al márgen de su carrera como artista junto a diferentes formaciones.

Lo más destacable, es que su música es tan versátil que resulta dificil clasificarla y peor aún recomendar un trabajo que lo represente, debido a esta gran diversidad.

Por eso, y sin que sirva de referencia general, yo conocí a Gismonti en el programa radiofónico Trópico utópico presentado por Rodolfo Poveda y aún en antena; con su álbum Circense 1.980 EMI. Después he podido ampliar mi visión del compositor con otros álbumes como Dança das cabeças 1.976 ECM.

Algún día, Egberto Gismonti compartirá trono con su compatriota, pero eso, será la historia quien lo diga. Para nosotros, ya es un hecho.

Venta de álbumes de música brasileña:

http://www.tangara.net/llistatbuscar_asp.asp?opcion=1

Yamandú Costa: ha nacido un nuevo genio

La primera vez que esuché a Yamundú fue buscando en YouTube músicas de choros.

Nunca antes había oído a un maestro de la guitarra tan joven, sencillamente, un genio.

Con 29 años, no es una promesa, es una autétnica realidad. Un prodigio como intérprete y como compositor.

Nació en la ciudad brasileña de Passos Fundo (Rio Grande do Sul) en 1.980. Era normal que un talento como él no tuviera una buena escuela, su padre era trompetista y su madre, cantante, no es sorprendente con estos antecedentes, que Yamandú que significa el Precursos de las aguas, a los siete años ya aprendia sus primeros acordes.

Hablar de guitarristas en España no es fácil, afortunadamente, es de lo que más abunda en nuestro país, y muy buenos, por este motivo hay que destacar el trabajo de Yamandú que puede competir con los más grandes en su campo.

Su primer álbum es muy reciente, 2.001 titulado Yamandú con la discografíca brasileña Eldorado.

Aunque es un artista joven, se ha codeado con los más grandes del panorama de su país y colaborado en numerosos conciertos.

El arte de Yamandú está en su técnica y su virtuosismo, pero también en su calidad como compositor.

Recientemente compré el álbum Lida 2.007 con el sello Tratore. En una formación de trío con violín y contrabajo. No es posible destacar ninguna canción, todas son magistrales, pero igual habría que decir del resto de los músicos, especialmente el violinista.

Os recomiendo como siempre el siguiente enlace especializado en música de Brasil

http://www.tangara.net/home.asp

Guinga y el sonido de las armonías

Mi primer acercamiento a Guinga fue hace ya bastantes años, gracias a un famoso programa radiofónico llamado Cuando los elefantes sueñan con la música,presentado por Carlos Galilea y aún en emisión (una de esas joyas que aún cuenta con el beneplácito de nuestra radiodifusión).

Carlos Althier de Souza Lemos Escobar, más conocido por Guinga es uno de esos músicos y compositores que tienden a pasar desappercibido por nuestra historia musical, si acaso reconocido por sus compatriotas brasileños.

Este carioca de 58 años se inició a edad temprana en el aprendizaje de la guitarra de forma autodidacta, aunque después cursaría estudios de guitarra clásica y perfeccionamiento. Colaborado y compuesto para numerosos artistas de su tierra natal, merecedor de importantes premios y autor de libros de aprendizaje para guitarra.

Sin duda, lo que más destaca de Guinga es su maestría en las armonías y en los colores musicales. Un verdadero experto en manejar cada acorde en el lugar y momento preciso. Pero así como domina las bases arquitectónicas de sus obras, también se puede decir de su capacidad creadora para generar melodías de una belleza incomparable.

Guinga no se ha prodigado mucho grabando álbumes propios, aunque sí para otros artistas. De 1.991 es su primer trabajo Simples e absurdo. Junto a su talento musical hay que sumar el literario de su compañero en multitud de ocasiones, Aldir Blanc y es justo reconocerlo.

Personalmente, hay dos álbumes que especialmente quisiera destacar. El primero, compuesto para la cantora brasileña Leila Pinheiro que aporta la esencia vocal necesario para entender la música de estos dos grandes maestros (Guinga y Aldir Blanc), llamado Catavento e Girasol 1.996. No es posible mencionar un tema mejor que otro, pues todos responden a un trabajo minucioso, repleto de texturas armónicas sobre una melodía sensual que se inserta a la perfección en la estructura de los temas. El segundo, fue grabado en 2.004 en Italia junto al clarinetista Gabrielle Mirabassi. Recupera lo mejor de Guinga en una fusión perfecta de sonidos, con esa característica melancólica y envolvente del clarinete que conjuga bien en el concepto de la música brasileña, ( por spuesto, no es la única aportación en este instrumento).

Descubrir a Guinga, es descubrir todo un paraiso tropical de sonidos, colores, imágenes, sin que esto pueda parecer un tópico. Os lo aseguro, es tan real como su música.

Sitio oficial:

http://www.guinga.com/

Venta de música brasileña:

http://www.tangara.net/llistatbuscar_asp.asp?opcion=1

David Peña "Dorantes" y las inevitables comparaciones

Uno de los grandes handicaps que tiene la música de raiz andaluza y flamenca, es el de las comparacines. Odiosas siempre y faltas de juicio realmente crítico.

Cuando escuché por primera vez a Dorantes no pensé, como muchos suelen hacer, en aquella coletilla de : un segundo Campzuano. Ni mucho menos; pero estamos condenados los artistas andaluces al tópico, al sello del “todo el flamenco es igual” y cosas parecidas.

Por eso, cuando uno escucha a un artista de profundas raíces flamencas como este que nos ocupa, son pocos los entendidos que pueden ver en Dorantes una entidad propia con una fuerte personalidad en la composición.

No puede obviarse que David Peña procede de una importante familia consolidada en el flamenco, pero tampoco que junto al nombre está el talento y el estudio en el Real Conservatorio de Sevilla de su carrera pianística. Tampoco, podríamos desdeñar su paso por Tokio o el apoyo incondicional de uno de los célebres del jazz. Y sobretodo, que un artista necesita mantenerse para hacer honor a su condición y su reputación que Dorantes ha demostrado a todas luces.

Su discografía no es muy extensa, aunque sí su activa vida como intérprete. Su primer álbum Orobroy 1.999 con una verdadera joya como el que da título al álbum representa la quintaesencia del flamenco trasladado al piano.Pero no puede faltar en su música ni las palmas, ni el cante, cossutancial a su propia manera de entender y desarrollar toda una cultura.

Dorantes es un virtuoso y un maestro en el engarce de los arreglos clásicos, como lo demuestra su segundo álbum Sur 2.001 y un buscador del mestizaje sin renunciar nunca a su base fundamental destacable en el corte titulado Barrio Latino.

Todos esperamos de Dorantes un reconocimiento y que nos deleite con nuevos trabajos de su fantástica maquinaria creadora.

Sitio oficial:

http://www.daviddorantes.com/

Lito Vitale vs Argentina

Hablar de Lito Vitale resulta fácil y dificil a la vez. En el primer caso, porque le aproxima a sus raíces argentinas. Lito es principalmente un compositor de y para su tierra natal. En segundo lugar, porque se ha escrito mucho ya sobre él y lo que un humilde admirador pueda decir no va a aportar mucho más.

Sin embargo, el propósito de estos artículos que compongo no es otro que el dar a conocer, más aún si cabe, el trabajo de artistas que no gozan de la atención que otros poseen y siendo generoso con el público, por falta de información, no de interés.

Héctor Facundo Vitale nació en Villa Adelina, provincia de Buenos Aires, en el año 1.961. Aprendió de su padre, quuien le enseñó, entre otros, a desarrollar su talento.

En esencia, Lito es pianista como intérprete y ha colaborado en numerosas grabaciones de otros.

Diversas formaciones han recorrido la vida musical de Lito desde 1.976 en que fundara M.I.A junto a su hermana Liliana y otros músicos.

La trayectoria musical ha sido extensa y variada, aparte de sus grabaciones más representativas, Lito Vitale ha realizado Música para la televisión, para el Cine y para el Teatro y cuenta con numerosos premios.

Yo tuve la oportunidad de escucharle pro primera vez, gracias a un amigo, cuando contaba con 20 año s de edad, uno de sus trabajos más importantes: Ese amigo del alma 1.988 Ciclos 3 y posteriormente, La Senda infinita 1.989 Ciclos 3, en su etapa de Cuarteto.

En ambos discos, hay una visión muy personal de la música tradicional argentina mezclada con el inconfundible sonido del piano eléctrico de Lito de finales de los ochenta. Yo destacaría El discreto encanto de ser porteño (La Senda Infinita) y Recuerdos en mi bemol (Ese amigo del alma), al menos, son los que a mi más me han fascinado, pero, nunca debemos de olvidar de que la música es algo subjetivo y que cada pieza musical tiene un espacio personal en cada uno de nostros por infinidad de motivos, a veces, incomprensibles.

Actualmente, Lito tiene un nuevo trío con el cual ha grabado un disco de versiones el año pasado. Por supuesto, a estas alturas, nadie se sentirá defraudado.

Sitio oficial:

http://www.litovitale.com.ar/#

Renato Borghetti “ Borghetinho” y la gaita-ponto

Renato Borghetti es un perfecto desconocido en nuestro país por varios motivos, pero vayamos por partes.

Primero conviene situarnos geográficamente, pues Borghettinho nació en Porto Alegre (Rio Grande do Sul) en Brasil, en el año 1.963

Para entender la música y la influencia hay que tener en cuenta la proximidad con Argentina, pues, mucho tiene que ver el término gaúcho o gaucho que hace referencia al jinete sudaméricano y por extensión es un gentilicio aplicado a los habitantes de Rio Grande de Sul.

Es éste uno de los motivos por los cuales Borghettinho sea un desconocido aún para mucha gente. Brasil vivió y vive identificado con una parte de su música, la de Rio de Janeiro y los Estados de Pernambuco y Bahía en el nordeste del país. El samba y la Bossa Nova acapararon durante mucho tiempo y seguirán haciéndolo la única música representativa de este enorme país.

Sin embargo, el Sur de Brasil también presenta su propia idiosincrasia y por extensión su propia concepción musical compartida con sus vecinos de Argentina y Uruguay.

Estos antecedentes geográficos nos ayudarán a comprender el por qué el padre de Renato regaló a su hijo una gaita-ponto para que desarrollara su talento musical. Sin duda, fue un acierto, pues demostró grandes dotes para el instrumento y la música.

La gaita-ponto es de la familia de los acordeoines de los que comparte su sistema de emisión sonora pero no su ejecución, ya que en la gaita-ponto es por botones y no por teclas. La gaita-ponto es uno de los instrumentos en peligro de extinción, ya que no existe tradición para su continuidad y tememos que se perderá.

En 1.984 comienza su carrera discográfica con Gaita Ponto publicado pro RNS Discos y casi a un disco por año, Borghettinho no ha dejado de grabar. En el año 2.007 publica Fandango.

A pesar, de todo lo comentado sobre el desconocimiento de este estilo musical, Borghetti cruzó el charco varias veces y es conocido en Croacia, Alemania o Australia.

Tal vez no fuera el pionero de la música gaucha, Antônio Soares de Oliveira. “Tio Bilia” quien grabara 111 músicas fue uno de los mayores exponentes de la gaita-ponto y de este estilo, pero no por ello debemos de insistir que Borghettinho sabe sacar lo mejor de su instrumento para dibujar el paisaje de una forma de vida.

Las principales características que definen el estilo de Renato Borghetti son: el folklorimo, la melodía sencilla y el virtuosisimo de algunas de sus obras. Encontraremos música instrumental en este artista y a la gaita-ponto como la mejor voz para hablar de una cultura asentada en el sur de Brasil.

La primera vez que oí hablar de Borghetti fue en Brasil, en una entrevista de una cadena brasileña. Quedé fascinado e impresionado porque jamás había oído otra cosa que no fuera Bossa Nova, Samba o MPB (Música Popular Brasileña) y este descubrimiento ahora os lo traslado para que también disfruteis de él y su música.

Sitio Web Oficial:

http://www.renatoborghetti.com.br/discografia.asp

Tienda de Música Brasileña Online

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Algunas aclaraciones al artículo: Estética e Historia de la Música Ligera Española

Hola a todos:
Quisiera hacer algunas revisiones o puntualizaciones al artículo publicado hace unos días "Estética e Historia de la Música Ligera Española".
Especialmente voy a referirme al compromiso social y político citado.
Es indudable que hay que matizar. No todos los artistas sintieron esa necesidad de denunciar algo en sus letras. Desde las canciones que sucedieron al Rock and Rios (que tratan de una demanda más universal que nacional (Himno de la alegría) o regional (Al-Andalus) y el comienzo de una nueva sociedad con otros problemas más cercanos y palpables (No estás sola, Madrid, En la cola del Milenio) del Rock de una noche de verano que se van alejando cada vez más del estilo canción protesta.
Por eso, al referirme al compromiso social y político no quisiera ser malinterpretado, estaba analizando precisamente esta mudanza basada en la ideología a una canción más del tú a tú. Y esta nueva manera de componer letras tienen que ver, evidentemente con el cambio social propio de sistemas políticos. La droga, el desempleo, la soledad, la incomprensión, todo estos factores generados de los nuevos tiempos.
En alguna parte del artículo cito también la falta de cualidad vocal de nuestros artistas de la Década Prodigiosa, por supuesto es generalizada, pero compensada por el poder creativo desarrollado y como dije en el artículo, una marca registrada. Además, de lo que no se puede acusar a nuestros artistas es de que no fueran excelentes músicos de primera línea, muchos de ellos autodidactas y con gran talento.
Espero que estas aclaraciones sirvan para mejorar la intención del artículo.
Saludos

Estética e Historia de la Música Ligera Española 5a parte

SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (V)

La movida madrileña (continuación)

En otras esferas proliferaban bandas que trataban de imitar lo mejor del Heavy internacional. Sería poco honrado comparar a unos de los mejores representantes del heavy como lo fueron los británicos Iron Maiden con nuestro mercado nacional, pero como decíamos anteriormente, existe una gran fuente creadora en los artistas españoles. Barón Rojo y Obus, por citar dos pesos pesados del género heavy, no sólo presentaron una música que irradiaba identidad propia, sino que además pudo cruzar la frontera para enseñar lo que el heavy español podía dar de sí.

Incluso el rockabilly, heredado de los años cincuenta en que hacía furor, destilaba una personalidad propia incomparable. Gabinete Caligari( Jaime de Urrutia, Fernando "Ferni" Presas y Eduardo "Edi" Clavo), que procedían del ambiente universitario no compartían absolutamente nada con los vascos Duncan Dhu, salvo el gusto por la estética rockabillesca.

La herencia del punk, tuvo importante repercusión en la escena nacional con grupos como La polla records y Kortatu. El eje más radical que revolvía los cimientos de las normas y las etiquetas sociales. En otro ámbito, menos agresivo cabe situar a Rosendo que venía del grupo Leño sin el cual la movida carece de mucho sentido, y José Ramón Julio Martínez Márquez, un actualmente irreconobiel Ramoncín aún teniendo presente que es otra estética la que ahora manda.

En una línea más cercana al tecno y a la música disco caben citar varios grupos de relieve. Uno de ellos es el formado por Olvido Gara, Alaska, que venía de varios intentos como Kaka de Luxe de corte más punk, y que fue pasando por diferentes formaciones más orientadas al tecno, el house o la música disco: Alaska y Dinerama, Alaska y los Pegamoides, Alaska y Fangoria,…El segundo de ellos fue el formado por los hermanos Cano y Ana Torroja, que se convirtieron en un fenómeno de masas sin precdeentes en nuestra historia musical. Pero Mecano entraba ya en los noventa con una estética diferente.

La lista de grupos podría ser interminable: Golpes Bajos, Os Resentidos, Orquesta Mondragón, Los Ilegales, Radio Futura, La Unión,… y un largo etcétera unidos por un factor común: la identidad de cada grupo, la marca registrada, nadie se parecía a nadie.

España vivió su mejor momento de brillantez cultural, especialmente musical, un segundo Siglo de Oro o la Décad Prodigiosa como algunos llamaron, repleta de creatividad merecedora de ser recordada.

¿Qué tuvo de peculiar esta década?, sin duda, no la de saber cantar. Nuestros artistas no procedían de Conservatorios ni Escuelas de Música, por aquel entonces, inexistentes, escasa o mediatizados de nuestro país, tal vez, el espíritu rebelde no les hubiese permitido pasar por las instituciones ya fueran públicas o privadas. Incuestionablemente, fue el ingenio y el proceso creador el que revitalizó la cultura musical de los ochenta, un momento histórico que venía favorecido por los aires de libertad, a veces mal interpretada, de una joven democracia que comenzaba a tomar su lugar.

Pero también se produjo una corriente social propicia para ello que había dejado atrás el guateque, las salas de espectáculos y los teatros por macroespectáculos en estadios, al aire libre, en épocas estivales de bonanza económica.  


ACTUALIZACIÓN:  En estos días he encontrado un interesante artículo que trata esta cuestión posiblemente con más conocimiento de causa que yo y con más detalles. Os facilito el enlace:

La fonoteca

Estética e Historia de la Música Ligera Española 4a parte

SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (IV)

La movida madrileña

La llegada de la una joven democracia trajo consigo también importantes cambios en la estética musical del panorama nacional.

Comunmente se le denomina a este periodo que ocupa la década de los ochenta, el de la movida madrileña. Aunque el término resulte algo impreciso, pues realmente, la capital siempre fue el centro neurálgico de la cultura musical del país, podemos afirmar sin temor a equivocarnos que el término movida refleja bien un espíritu diferente que habia dejado atrás, sin posibilidad de hablar de continuidad, a cantaautores (la mayoría aburguesados), a la música romántica (descontextualizada) y a los viejos grupos de tradición internacional, que éstos sí, de alguna manera, fueron el gérmen de las nuevas generaciones.

Sin embargo, el concepto de este nuevo periodo presenta varias características:

• Un desarrollo creativo no comparable a periodo alguno (ni anterior, ni posterior)
• Una gran diversidad de estilos a las que se les denominaba tribus urbanas
• Una influencia extranjerizante, principalmente británica.
• Una marca de identidad sin precedentes

Al amparo de estas características, nuestra música, por fín, pudo ser reconocida internacionalmente y competir con bandas y grupos que acaparaban la atención internacional.

Uno de los aspectos mencionadas hace dificil establecer un modelo de unidad, y es el de la diversidad. Podemos decir, no obstante, que todas aquellas tribus urbanas compartían un mercado y un deseo de innovación cada uno a su manera.

El panorama internacinal también había cambiado y no vamos a restar mérito a las influencias que dejaron huella en nuestros artistias. Estos compartimentos-estanco creados también representan un estilo o forma de vida. Ninguna relación tiene el movimiento punk con la música disco, pero esto al contrario de ser un obstáculo, suponía una diversidad que permitía adscribirse más definidamente a la estética compartida.

Por otro lado, este panorama internacional si venía de un proceso continuado, sin cortes, como consecuencia de países que habían logrado liberarse de las ataduras de los sistemas opresores.

Podemos decir, sin riesgo a equivocarnos, que El Rock and Rios dio el pistoletazo de salida, allá por el ’82 en un macroespectáculo sin precedentes del granadino Miguel Ríos. Pero no debemos pensar que era fruto de un aficionado que empezaba, por aquel entonces, Miguel Ríos había grabado ya diez álbumes y era todo un experto. Lo que es indudable es que había nacido un nuevo concepto musical, una nueva estética que hablaba la lengua del “tronco”, “colega” y de “tío/a”.

Esta nueva estética que impregna a España nos dio credibilidad internacinal hasta entonces dudosa, a excepción de nuestros artistas románticos que triunfaban principlamente en Latinoamerica favorecidos por el idioma y ante la impotencia de competir con esta nueva estética de una generación que nada quería saber de sensibilidad o de canciones amorosos.

La movida madrileña se sitúa así como una estética caracteriza por la rebeldía y la transgresión con escaso compromiso social o político en su contenido temático.

El rock no sólo tuvo como representante a Miguel Rios, aunque sí como modelo a seguir. El estilo se diversifica en planos muy diferentes que van desde el urbano de Loquillo y los trogloditas al andaluz de grupos como Triana, Alameda y Medina Azahara. Y em ambos ejemplos citados, la identidad se deja notar y se aleja de los modelos internacionales. José María Sanz Beltrán (Barcelona, 1.963), conocido como Loquillo, y su banda Los Trogloditas, nada tenían que ver con el rock´n´roll de Elvis o de los grupos con los que compartía época, a excepción del sonido guitarrero y la rebeldía propia antes mencionada. De igual modo, la música de Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y Juan José Palacios, componentes principales de Triana podía compararse con ningún otro estilo de rock anterior, fusionando el flamenco, algo insólito de tanta importancia creadora y que desgraciadamewnte no trascendió o no fue entendido en el mercado internacinal, poco abierto a las innovaciones externas.

Pero incluso dentro del llamado rock andaluz, ni el estilo de Triana era comparable al de Imán Califato Independiente, más sinfónico aunque también con sus toques andaluces. De su corta discografía, El Camino del águila de 1.980 se sitúa como uno de los discos mejor realizado y de incuestionable calidad musical.

Estética e Historia de la Música Ligera Española 3a parte

SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (III)

La música entre y después de la transición

• Al tercero de los géneros de este período es al que siempre se hizo poca justicia., injustamente, valga la redundancia.

     

      La música romántica siempre estuvo marcada por la etiqueta de “música para señoritas” y  sus artistas, tratados como Adonis carentes de talento. No sorprende entonces, que hayan caído en la actualidad en el mayor de los olvidos, una vez pasado su envidiable  juventud.

Recientemente se nos fue María Trinidad Pérez de Miravete Mille (Mari Trini) y a ella dedico este artículo que ahora publico para vosotr@s. Y se fue como much@s otr@s, sin pena ni gloria, sin un reconocimiento a lo que ha dado a nuestra cultura musical, pero eso es algo a lo que hay que irse acostumbrando.

Definitivamente, injusto el tratamiento que han tenido estos artistas por la crítica y por otros sectores que acabaron pensando que criticar la política del país o rendirse a los efectos colaterales del panoroma internacional era más loable que no hacerlo.

Sin hablar, por supuesto, de la tendencia a “revalorizar” lo que nos viene allende de nuestras fronteras que siempre nos ha caracteriado, con personajes tan faltos de talento como Madonna, Britney Spear y tantas otras. Escaparates de una cósmetica osadía,banal y basadas en la provocación, no resueltas a aportar nada al enriquecimiento musical.

Sin embargo, artistas los hubo, y de calidad y cualidad sin traspasar las fronteras españolas. También, como no, hubo quienes aprovecharon este tren para subirse pero fueron eclipsados por aquell@s que demostraron que cantar era una cosa y ser artista otra.

Además de nuestra reciente desaparecida Mari Trini, que nos cautivó con sus pinceladas francesas, pero también con canciones tan hermosas como Una estrella en el jardín, el vals del otoño, Yo no soy esa…se sitúan Raphael, Camilo Sesto, Nino Bravo, o Julio Iglesias por citar los más representativos junto a Basilio o Roberto Carlos que aunque venidos de Latinoamerica desarrollaron aquí gran parte de su carrera musical.

¿Dónde está el talento de estos artisitas?. Tenemos dos respuestas igualmente válidas.

 - La primera, en su voz que no sólo es una cualidad sino que se va haciendo calidad con el dominio de la dinámica, del uso de los registros, de la sensibilidad.

- La segunda, al gran poder creativo de sus compositores. Aquí no podríamos olvidar a Juan Carlos Calderón (1.936) o Manuel Alejandro (1.933)

Pero no sólo muchos de estos artistas se dedicaban a cantar, por el contrario, desarrollaron también la composición.

Al márgen del reconocimiento internacional incuestinable que tuvieron, España siempre fue reacia a dar un merecido lugar a sus trayectorias, y aquí sí podemos ver cierto recelo político o aristocrático con el que se ha querido tildar a estos artistas.

Pero el desconocimiento del público, les hace no tener en cuenta, que la versión española de Jesucristh Superstar no estuvo exenta de censura, de amenazas y de una gran muralla levantada por el dogma y la inviolabilidad de nuestras costumbres. Esto, por poner un ejemplo.

Lo más destacable de la música romántica es su sello de identidad: suena a español y a eso se debe su gran éxito internacional que no tuvieron otros géneros antes mencionados.

Esperemos que esta retrospectiva y que la Historia de nuestra música haga un verdadero balance de equidad y al menos, dé a cada cual su sitio.

Estética e Historia de la Música Ligera Española 2a parte

SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (II)

La música entre y después de la transición

• El país vivía un momento idóneo para un género que aunque no era estrictamente de herencia extranjerizante, sí tuvo algunos representantes como la archiconicida Joan Baez o Bob Dylan por poner algunos ejemplos, aunque evidentemente, el contexto era muy diferente.

      Muchos han tratado de ver una causa-efecto en esta canción-protesta o de cantaaturo en el cambio político de España, pero nada más lejos de ello. La posible influencia que la música tuviera debería ser minimizada. Las cosas no ocurren de ese modo.

      En general, el modelo de cantaautor se representa o identifica con una sola persona, que compone y canta. Pero, quizás de manera aislada aparece en 1.972 un grupo formado por Mª Isabel Martín, Lola Bon, Antonio A. Ligero, Ángel Corpa, Crisanto Martín, Gabi Travé y Rafael Castizo que se convierte en Jarcha, un peculiar nombre extraído de nuestra lírica popular musulmana.

Que duda cabe, que Libertad sin ira, representa un himno que reclama un importante cambio en la concepción política fehaciente, y arriesgada aún en la fase terminal de la Dictadura.

Este género también fue cultivado por amantes de la poesía costumbrista (Machado) o beligerante (Miguel Hernández) como el catalán Joan Manuel Serrat menos comprometido actualmente y probando en otros estilos más cercanos al jazz o el sinfonismo.

Hay que tener en cuenta, que el género canta-autor guarda una estrecha relación con el ambiente universitario propagandista del movimiento reaccionario.

También debemos citar a Victor Manuel y Ana Belén, militantes del partido comunista que ejercieron en su momento una fuerte reacción contestaria al sistema político imperante y que también acabaron infelizmente publicando álbumes como El lanzador de cuchillos (1.984) o la canción Lía.

En menor medida hubo otros representantes, pero en todos ellos se vió, al márgen de la crítica política nacional, un sentimiento regionalista: Serrat cantaba muchas canciones en catalán, y Victor Manuel sentía una profunda admiración por Asturias y sus tradiciones, encomiable, sin duda.

A caballo entre lo romántico y de canta-autor se sitúaba José Luis Perales que huyó del compromiso político, pero no social, como Samartinas del amor, o Es Navidad.

Estética e Historia de la Música Ligera Española 1a parte

SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (I)

Es de sobra conicido, que la estética varia con los tiempos, a veces condicionada por otros factores no estrictamente musicales o artísticos. Toda época ha pagado ese precio.

Pero no cabe duda que cada estética generalmente es una ruptura con la anterior y esto no sería una premisa negativista si en dichos procesos de transformación se mantuviera el concepto de “calidad” y “cualidad”.

Para este artículo que publico voy a remontarme a tres etapas importantes de nuestra historia musical en cuanto a la mal llamada Música ligera se refiere.

La música entre y después de la transición

Tres importantes géneros comienzan a desarrollarse en las últimas etapas de la dictadura franquista: la música romántica, la música de cantaautor y la música heredada de fenómenos internacionales.

• Comenzaremos hablando de la tercera de ellas sin atender a una cronología sistemática. El efecto “The Beatles” y tal vez en menor medida “The Rolling Stones” (éstos últimos mucho más censurados en nuestro pais) se dejó notar en nuestra cultura musical.. Una pléyade de bandas crecieron tratando de imitar a los que fueron sus mitos y consecuentemente un género importado, imitativo y falto de creatividad que no dejó calado internacional, muy mediatizado por la política del momento y con una repercusión nacional pasajera.

      A esta etapa corresponden grupos tan variopintos como Pekenikes, 1959 (con los hermanos Alfonso y Lucas Sainz al frente), Los Módulos, 1969 (con Pepe Robles). Los Pasos, 1966 (lanzado por Hispavox), Fórmula V, 1967 (Francisco Pastor , Antonio Sevilla , Mariano Sanz , Amador Flores "Chapete"  Joaquín  de la Peña "Kino" ) y muchos más que haría una lista interminable.

      Englobar a todos estos grupos en un mismo criterio de calidad y cualidad sería no sólo una injusticia, sino una  necesidad, pero bien es cierto que no se  caracterizaron por desarrolar un verdadero estilo que representara un sello de identidad de lo que nuestro país podía decir sobre aquel nuevo estilo musical.

      No debemos olvidar tampo, que el panorama musical de aquel tiempo venía  arrastrando los tópicos propios de nuestra más nacionalista época decimonónica con la tonadilla y la posterior Canción Española (que inevitablemente nos definía en el marco internacional). Sin que esto sea un reproche a lo que nuestros artistas del género hicieron (muchos de ellos y de ellas de notable calidad), la  reacción no se hizo esperar, y encotramos en el exterior la respuesta.

      De todos estos grupos merece una atención especial “Canarios” con el singular Tedy Bautista (uno de los padres de la SGAE) ,Germán Pérez, Álvaro Yebenes, Tato Luzardo, Feliciano  "Nano" Muñoz, Alfredo Maiquez, Vicente  Maiquez, Graham Bircumshaw en sus  inicios del año 1.966

      Aunque nuestra historia, como siempre, no les ha dado su lugar, su repercusión  musical, su calidad y sus cualidades creativas lo sitúan entre los mejores representantes de esta música de tradición internacional. Si alguien aún duda de ello, le recomiendo que esuche “Ciclos” BMG 1.993 Ariola en su versión CD.

      Pero, como ya hemos dicho, las estéticas cambian y otras oleadas vendrían amparados por el éxito de estas bandas.

Estética e Historia de la Música Ligera Española 6º y última entrega

SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (VI)

Dando paso al presente

Sería interesante para cualquier sociólogo estudiar qué ocurrió con la música tras el declive de los ochenta.

Sin duda, nuestro presente arranca ya con Mecano, un grupo que venía de cosechar innumerables éxitos de venta y popularidad en y fuera del ámbito nacional. Con los hermanos Cano y Ana Torroja la música se convirtió en un verdadero producto de consumo respaldado por aquellos que no querían continuar escuchando las provocaciones de los movimientos rebeldes. Esto no era nuevo en la Historia, la manipulación ideológica que buscaba no tener quebraderos de cabeza con una juventud que aprendía deprisa. Y Mecano era una de sus mejores artillerías para esa lucha.

La música estaba abocada a lo banal ,al plagio y al mestizaje como alternativas. El panorama internacional tampoco era más alentador. Madonna triunfaba con una versión descafeinada de Marilyn y manipulada y a ella le siguieron toda una estela de clones.

Este cambio de la estética musical volvió a situarnos en la época del café de salón o de los resonadores del costumbrismo musical. El mestizaje se malinterpretó o no supo sacarsele partido y dio lugar a fenómenos tan desafortunados como Estopa,,Jarabe de Palo,o más reciéntemente El Arrebato.

Asistimos en este período a la cultura de lo efímero, también llamada del pelotazo. De unos oyentes conformistas, bien entrenados para ser consumidores.

A todo este infortunio, hay que sumar la gran competividad del mercado en el cual proliferaban discográficas a cada dos metros y sobretodo a la piratería y la descarga ilegal con el nacimiento del mp3.

Esta situación sólo se vió favorecido, parcialmente, con el fenómeno de Operación Triunfo. Por primera vez en la historia de la música española, existía la posibilidad de dar una preparación musical a nuestros artistas de calidad seleccionando entre los que disponían de cualidades. Pero, no nos confundamos, la cualidad y la calidad no siempre va ligada a la creatividad y la innovación. Desgraciadamente, los cantantes que salen de esta Academia no aportan nada nuevo a nuestro bagaje musical. Se impone la ley de mercado y la estandarización de los artistas y el estilo.

Esto nos lleva a nuestro final y a la gran pregunta. ¿Estuvo siempre la música mediatizada?, ¿Fue fruto nuestra Década Prodigiosa de un verdadero movimiento creativo o por el contrario un montaje? ¿ Fueron los setenta una época de autétnica protesta social y política o se convirtió en un servidor del sistema productivo para grabar discos y enriquecerse?

La industria musical no es un producto de reciente creación. Desde la invención de Edison, muchos han querido anteponer  producto sobre arte, sólo las estéticas cambian. Aunque , claro está, algunas mejor paradas que otras.

Voy a arriesgarme a culpar a las discográficas, al marketing, al merchandising y a todos aquellos que vieron que el arte era un buen campo de explotación y generador de riquezas.