Translate

Store berekekê CD Baby

sábado, 30 de mayo de 2009

Yamandú Costa: ha nacido un nuevo genio


20090530213643-cuerdasguitarra.jpg
La primera vez que esuché a Yamundú fue buscando en YouTube músicas de choros.
Nunca antes había oído a un maestro de la guitarra tan joven, sencillamente, un genio.
Con 29 años, no es una promesa, es una autétnica realidad. Un prodigio como intérprete y como compositor.
Nació en la ciudad brasileña de Passos Fundo (Rio Grande do Sul) en 1.980. Era normal que un talento como él no tuviera una buena escuela, su padre era trompetista y su madre, cantante, no es sorprendente con estos antecedentes, que Yamandú que significa el Precursos de las aguas, a los siete años ya aprendia sus primeros acordes.
Hablar de guitarristas en España no es fácil, afortunadamente, es de lo que más abunda en nuestro país, y muy buenos, por este motivo hay que destacar el trabajo de Yamandú que puede competir con los más grandes en su campo.
Su primer álbum es muy reciente, 2.001 titulado Yamandú con la discografíca brasileña Eldorado.
Aunque es un artista joven, se ha codeado con los más grandes del panorama de su país y colaborado en numerosos conciertos.
El arte de Yamandú está en su técnica y su virtuosismo, pero también en su calidad como compositor.
Recientemente compré el álbum Lida 2.007 con el sello Tratore. En una formación de trío con violín y contrabajo. No es posible destacar ninguna canción, todas son magistrales, pero igual habría que decir del resto de los músicos, especialmente el violinista.
Os recomiendo como siempre el siguiente enlace especializado en música de Brasil

martes, 26 de mayo de 2009

Guinga y el sonido de las armonías


20090523225525-guinga.jpg
Mi primer acercamiento a Guinga fue hace ya bastantes años, gracias a un famoso programa radiofónico llamado Cuando los elefantes sueñan con la música,presentado por Carlos Galilea y aún en emisión (una de esas joyas que aún cuenta con el beneplácito de nuestra radiodifusión).
Carlos Althier de Souza Lemos Escobar, más conocido por Guinga es uno de esos músicos y compositores que tienden a pasar desappercibido por nuestra historia musical, si acaso reconocido por sus compatriotas brasileños.
Este carioca de 58 años se inició a edad temprana en el aprendizaje de la guitarra de forma autodidacta, aunque después cursaría estudios de guitarra clásica y perfeccionamiento. Colaborado y compuesto para numerosos artistas de su tierra natal, merecedor de importantes premios y autor de libros de aprendizaje para guitarra.
Sin duda, lo que más destaca de Guinga es su maestría en las armonías y en los colores musicales. Un verdadero experto en manejar cada acorde en el lugar y momento preciso. Pero así como domina las bases arquitectónicas de sus obras, también se puede decir de su capacidad creadora para generar melodías de una belleza incomparable.
Guinga no se ha prodigado mucho grabando álbumes propios, aunque sí para otros artistas. De 1.991 es su primer trabajo Simples e absurdo. Junto a su talento musical hay que sumar el literario de su compañero en multitud de ocasiones, Aldir Blanc y es justo reconocerlo.
Personalmente, hay dos álbumes que especialmente quisiera destacar. El primero, compuesto para la cantora brasileña Leila Pinheiro que aporta la esencia vocal necesario para entender la música de estos dos grandes maestros (Guinga y Aldir Blanc), llamado Catavento e Girasol 1.996. No es posible mencionar un tema mejor que otro, pues todos responden a un trabajo minucioso, repleto de texturas armónicas sobre una melodía sensual que se inserta a la perfección en la estructura de los temas. El segundo, fue grabado en 2.004 en Italia junto al clarinetista Gabrielle Mirabassi. Recupera lo mejor de Guinga en una fusión perfecta de sonidos, con esa característica melancólica y envolvente del clarinete que conjuga bien en el concepto de la música brasileña, ( por spuesto, no es la única aportación en este instrumento).
Descubrir a Guinga, es descubrir todo un paraiso tropical de sonidos, colores, imágenes, sin que esto pueda parecer un tópico. Os lo aseguro, es tan real como su música.
Sitio oficial:
Venta de música brasileña:

domingo, 17 de mayo de 2009

David Peña "Dorantes" y las inevitables comparaciones

Uno de los grandes handicaps que tiene la música de raiz andaluza y flamenca, es el de las comparacines. Odiosas siempre y faltas de juicio realmente crítico.
Cuando escuché por primera vez a Dorantes no pensé, como muchos suelen hacer, en aquella coletilla de : un segundo Campzuano. Ni mucho menos; pero estamos condenados los artistas andaluces al tópico, al sello del “todo el flamenco es igual” y cosas parecidas.
Por eso, cuando uno escucha a un artista de profundas raíces flamencas como este que nos ocupa, son pocos los entendidos que pueden ver en Dorantes una entidad propia con una fuerte personalidad en la composición.
No puede obviarse que David Peña procede de una importante familia consolidada en el flamenco, pero tampoco que junto al nombre está el talento y el estudio en el Real Conservatorio de Sevilla de su carrera pianística. Tampoco, podríamos desdeñar su paso por Tokio o el apoyo incondicional de uno de los célebres del jazz. Y sobretodo, que un artista necesita mantenerse para hacer honor a su condición y su reputación que Dorantes ha demostrado a todas luces.
Su discografía no es muy extensa, aunque sí su activa vida como intérprete. Su primer álbum Orobroy 1.999 con una verdadera joya como el que da título al álbum representa la quintaesencia del flamenco trasladado al piano.Pero no puede faltar en su música ni las palmas, ni el cante, cossutancial a su propia manera de entender y desarrollar toda una cultura.
Dorantes es un virtuoso y un maestro en el engarce de los arreglos clásicos, como lo demuestra su segundo álbum Sur 2.001 y un buscador del mestizaje sin renunciar nunca a su base fundamental destacable en el corte titulado Barrio Latino.
Todos esperamos de Dorantes un reconocimiento y que nos deleite con nuevos trabajos de su fantástica maquinaria creadora.
Sitio oficial:

domingo, 10 de mayo de 2009

Lito Vitale vs Argentina

Hablar de Lito Vitale resulta fácil y dificil a la vez. En el primer caso, porque le aproxima a sus raíces argentinas. Lito es principalmente un compositor de y para su tierra natal. En segundo lugar, porque se ha escrito mucho ya sobre él y lo que un humilde admirador pueda decir no va a aportar mucho más.
Sin embargo, el propósito de estos artículos que compongo no es otro que el dar a conocer, más aún si cabe, el trabajo de artistas que no gozan de la atención que otros poseen y siendo generoso con el público, por falta de información, no de interés.
Héctor Facundo Vitale nació en Villa Adelina, provincia de Buenos Aires, en el año 1.961. Aprendió de su padre, quuien le enseñó, entre otros, a desarrollar su talento.
En esencia, Lito es pianista como intérprete y ha colaborado en numerosas grabaciones de otros.
Diversas formaciones han recorrido la vida musical de Lito desde 1.976 en que fundara M.I.A junto a su hermana Liliana y otros músicos.
La trayectoria musical ha sido extensa y variada, aparte de sus grabaciones más representativas, Lito Vitale ha realizado Música para la televisión, para el Cine y para el Teatro y cuenta con numerosos premios.
Yo tuve la oportunidad de escucharle pro primera vez, gracias a un amigo, cuando contaba con 20 año s de edad, uno de sus trabajos más importantes: Ese amigo del alma 1.988 Ciclos 3 y posteriormente, La Senda infinita 1.989 Ciclos 3, en su etapa de Cuarteto.
En ambos discos, hay una visión muy personal de la música tradicional argentina mezclada con el inconfundible sonido del piano eléctrico de Lito de finales de los ochenta. Yo destacaría El discreto encanto de ser porteño (La Senda Infinita) y Recuerdos en mi bemol (Ese amigo del alma), al menos, son los que a mi más me han fascinado, pero, nunca debemos de olvidar de que la música es algo subjetivo y que cada pieza musical tiene un espacio personal en cada uno de nostros por infinidad de motivos, a veces, incomprensibles.
Actualmente, Lito tiene un nuevo trío con el cual ha grabado un disco de versiones el año pasado. Por supuesto, a estas alturas, nadie se sentirá defraudado.
Sitio oficial:

martes, 5 de mayo de 2009

Renato Borghetti “ Borghetinho” y la gaita-ponto

20090505160102-gaita-ponto.jpg
Renato Borghetti es un perfecto desconocido en nuestro país por varios motivos, pero vayamos por partes.
Primero conviene situarnos geográficamente, pues Borghettinho nació en Porto Alegre (Rio Grande do Sul) en Brasil, en el año 1.963
Para entender la música y la influencia hay que tener en cuenta la proximidad con Argentina, pues, mucho tiene que ver el término gaúcho o gaucho que hace referencia al jinete sudaméricano y por extensión es un gentilicio aplicado a los habitantes de Rio Grande de Sul.
Es éste uno de los motivos por los cuales Borghettinho sea un desconocido aún para mucha gente. Brasil vivió y vive identificado con una parte de su música, la de Rio de Janeiro y los Estados de Pernambuco y Bahía en el nordeste del país. El samba y la Bossa Nova acapararon durante mucho tiempo y seguirán haciéndolo la única música representativa de este enorme país.
Sin embargo, el Sur de Brasil también presenta su propia idiosincrasia y por extensión su propia concepción musical compartida con sus vecinos de Argentina y Uruguay.
Estos antecedentes geográficos nos ayudarán a comprender el por qué el padre de Renato regaló a su hijo una gaita-ponto para que desarrollara su talento musical. Sin duda, fue un acierto, pues demostró grandes dotes para el instrumento y la música.
La gaita-ponto es de la familia de los acordeoines de los que comparte su sistema de emisión sonora pero no su ejecución, ya que en la gaita-ponto es por botones y no por teclas. La gaita-ponto es uno de los instrumentos en peligro de extinción, ya que no existe tradición para su continuidad y tememos que se perderá.
En 1.984 comienza su carrera discográfica con Gaita Ponto publicado pro RNS Discos y casi a un disco por año, Borghettinho no ha dejado de grabar. En el año 2.007 publica Fandango.
A pesar, de todo lo comentado sobre el desconocimiento de este estilo musical, Borghetti cruzó el charco varias veces y es conocido en Croacia, Alemania o Australia.
Tal vez no fuera el pionero de la música gaucha, Antônio Soares de Oliveira. “Tio Bilia” quien grabara 111 músicas fue uno de los mayores exponentes de la gaita-ponto y de este estilo, pero no por ello debemos de insistir que Borghettinho sabe sacar lo mejor de su instrumento para dibujar el paisaje de una forma de vida.
Las principales características que definen el estilo de Renato Borghetti son: el folklorimo, la melodía sencilla y el virtuosisimo de algunas de sus obras. Encontraremos música instrumental en este artista y a la gaita-ponto como la mejor voz para hablar de una cultura asentada en el sur de Brasil.
La primera vez que oí hablar de Borghetti fue en Brasil, en una entrevista de una cadena brasileña. Quedé fascinado e impresionado porque jamás había oído otra cosa que no fuera Bossa Nova, Samba o MPB (Música Popular Brasileña) y este descubrimiento ahora os lo traslado para que también disfruteis de él y su música.
Sitio Web Oficial:
Tienda de Música Brasileña Online

Algunas aclaraciones al artículo: Estética e Historia de la Música Ligera Española



Hola a todos:
Quisiera hacer algunas revisiones o puntualizaciones al artículo publicado hace unos días "Estética e Historia de la Música Ligera Española".
Especialmente voy a referirme al compromiso social y político citado.
Es indudable que hay que matizar. No todos los artistas sintieron esa necesidad de denunciar algo en sus letras. Desde las canciones que sucedieron al Rock and Rios (que tratan de una demanda más universal que nacional (Himno de la alegría) o regional (Al-Andalus) y el comienzo de una nueva sociedad con otros problemas más cercanos y palpables (No estás sola, Madrid, En la cola del Milenio) del Rock de una noche de verano que se van alejando cada vez más del estilo canción protesta.
Por eso, al referirme al compromiso social y político no quisiera ser malinterpretado, estaba analizando precisamente esta mudanza basada en la ideología a una canción más del tú a tú. Y esta nueva manera de componer letras tienen que ver, evidentemente con el cambio social propio de sistemas políticos. La droga, el desempleo, la soledad, la incomprensión, todo estos factores generados de los nuevos tiempos.
En alguna parte del artículo cito también la falta de cualidad vocal de nuestros artistas de la Década Prodigiosa, por supuesto es generalizada, pero compensada por el poder creativo desarrollado y como dije en el artículo, una marca registrada. Además, de lo que no se puede acusar a nuestros artistas es de que no fueran excelentes músicos de primera línea, muchos de ellos autodidactas y con gran talento.
Espero que estas aclaraciones sirvan para mejorar la intención del artículo.
Saludos

domingo, 3 de mayo de 2009

Estética e Historia de la Música Ligera Española 5a parte


SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (V)


La movida madrileña (continuación)

En otras esferas proliferaban bandas que trataban de imitar lo mejor del Heavy internacional. Sería poco honrado comparar a unos de los mejores representantes del heavy como lo fueron los británicos Iron Maiden con nuestro mercado nacional, pero como decíamos anteriormente, existe una gran fuente creadora en los artistas españoles. Barón Rojo y Obus, por citar dos pesos pesados del género heavy, no sólo presentaron una música que irradiaba identidad propia, sino que además pudo cruzar la frontera para enseñar lo que el heavy español podía dar de sí.

Incluso el rockabilly, heredado de los años cincuenta en que hacía furor, destilaba una personalidad propia incomparable. Gabinete Caligari( Jaime de Urrutia, Fernando "Ferni" Presas y Eduardo "Edi" Clavo), que procedían del ambiente universitario no compartían absolutamente nada con los vascos Duncan Dhu, salvo el gusto por la estética rockabillesca.

La herencia del punk, tuvo importante repercusión en la escena nacional con grupos como La polla records y Kortatu. El eje más radical que revolvía los cimientos de las normas y las etiquetas sociales. En otro ámbito, menos agresivo cabe situar a Rosendo que venía del grupo Leño sin el cual la movida carece de mucho sentido, y José Ramón Julio Martínez Márquez, un actualmente irreconobiel Ramoncín aún teniendo presente que es otra estética la que ahora manda.

En una línea más cercana al tecno y a la música disco caben citar varios grupos de relieve. Uno de ellos es el formado por Olvido Gara, Alaska, que venía de varios intentos como Kaka de Luxe de corte más punk, y que fue pasando por diferentes formaciones más orientadas al tecno, el house o la música disco: Alaska y Dinerama, Alaska y los Pegamoides, Alaska y Fangoria,…El segundo de ellos fue el formado por los hermanos Cano y Ana Torroja, que se convirtieron en un fenómeno de masas sin precdeentes en nuestra historia musical. Pero Mecano entraba ya en los noventa con una estética diferente.

La lista de grupos podría ser interminable: Golpes Bajos, Os Resentidos, Orquesta Mondragón, Los Ilegales, Radio Futura, La Unión,… y un largo etcétera unidos por un factor común: la identidad de cada grupo, la marca registrada, nadie se parecía a nadie.

España vivió su mejor momento de brillantez cultural, especialmente musical, un segundo Siglo de Oro o la Décad Prodigiosa como algunos llamaron, repleta de creatividad merecedora de ser recordada.

¿Qué tuvo de peculiar esta década?, sin duda, no la de saber cantar. Nuestros artistas no procedían de Conservatorios ni Escuelas de Música, por aquel entonces, inexistentes, escasa o mediatizados de nuestro país, tal vez, el espíritu rebelde no les hubiese permitido pasar por las instituciones ya fueran públicas o privadas. Incuestionablemente, fue el ingenio y el proceso creador el que revitalizó la cultura musical de los ochenta, un momento histórico que venía favorecido por los aires de libertad, a veces mal interpretada, de una joven democracia que comenzaba a tomar su lugar.

Pero también se produjo una corriente social propicia para ello que había dejado atrás el guateque, las salas de espectáculos y los teatros por macroespectáculos en estadios, al aire libre, en épocas estivales de bonanza económica. 

Estética e Historia de la Música Ligera Española 4a parte



SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (IV)


La movida madrileña

La llegada de la una joven democracia trajo consigo también importantes cambios en la estética musical del panorama nacional.

Comunmente se le denomina a este periodo que ocupa la década de los ochenta, el de la movida madrileña. Aunque el término resulte algo impreciso, pues realmente, la capital siempre fue el centro neurálgico de la cultura musical del país, podemos afirmar sin temor a equivocarnos que el término movida refleja bien un espíritu diferente que habia dejado atrás, sin posibilidad de hablar de continuidad, a cantaautores (la mayoría aburguesados), a la música romántica (descontextualizada) y a los viejos grupos de tradición internacional, que éstos sí, de alguna manera, fueron el gérmen de las nuevas generaciones.

Sin embargo, el concepto de este nuevo periodo presenta varias características:

  • Un desarrollo creativo no comparable a periodo alguno (ni anterior, ni posterior)
  • Una gran diversidad de estilos a las que se les denominaba tribus urbanas
  • Una influencia extranjerizante, principalmente británica.
  • Una marca de identidad sin precedentes

Al amparo de estas características, nuestra música, por fín, pudo ser reconocida internacionalmente y competir con bandas y grupos que acaparaban la atención internacional.

Uno de los aspectos mencionadas hace dificil establecer un modelo de unidad, y es el de la diversidad. Podemos decir, no obstante, que todas aquellas tribus urbanas compartían un mercado y un deseo de innovación cada uno a su manera.

El panorama internacinal también había cambiado y no vamos a restar mérito a las influencias que dejaron huella en nuestros artistias. Estos compartimentos-estanco creados también representan un estilo o forma de vida. Ninguna relación tiene el movimiento punk con la música disco, pero esto al contrario de ser un obstáculo, suponía una diversidad que permitía adscribirse más definidamente a la estética compartida.

Por otro lado, este panorama internacional si venía de un proceso continuado, sin cortes, como consecuencia de países que habían logrado liberarse de las ataduras de los sistemas opresores.

Podemos decir, sin riesgo a equivocarnos, que El Rock and Rios dio el pistoletazo de salida, allá por el ’82 en un macroespectáculo sin precedentes del granadino Miguel Ríos. Pero no debemos pensar que era fruto de un aficionado que empezaba, por aquel entonces, Miguel Ríos había grabado ya diez álbumes y era todo un experto. Lo que es indudable es que había nacido un nuevo concepto musical, una nueva estética que hablaba la lengua del “tronco”, “colega” y de “tío/a”.

Esta nueva estética que impregna a España nos dio credibilidad internacinal hasta entonces dudosa, a excepción de nuestros artistas románticos que triunfaban principlamente en Latinoamerica favorecidos por el idioma y ante la impotencia de competir con esta nueva estética de una generación que nada quería saber de sensibilidad o de canciones amorosos.

La movida madrileña se sitúa así como una estética caracteriza por la rebeldía y la transgresión con escaso compromiso social o político en su contenido temático.

El rock no sólo tuvo como representante a Miguel Rios, aunque sí como modelo a seguir. El estilo se diversifica en planos muy diferentes que van desde el urbano de Loquillo y los trogloditas al andaluz de grupos como Triana, Alameda y Medina Azahara. Y em ambos ejemplos citados, la identidad se deja notar y se aleja de los modelos internacionales. José María Sanz Beltrán (Barcelona, 1.963), conocido como Loquillo, y su banda Los Trogloditas, nada tenían que ver con el rock´n´roll de Elvis o de los grupos con los que compartía época, a excepción del sonido guitarrero y la rebeldía propia antes mencionada. De igual modo, la música de Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y Juan José Palacios, componentes principales de Triana podía compararse con ningún otro estilo de rock anterior, fusionando el flamenco, algo insólito de tanta importancia creadora y que desgraciadamewnte no trascendió o no fue entendido en el mercado internacinal, poco abierto a las innovaciones externas.

Pero incluso dentro del llamado rock andaluz, ni el estilo de Triana era comparable al de Imán Califato Independiente, más sinfónico aunque también con sus toques andaluces. De su corta discografía, El Camino del águila de 1.980 se sitúa como uno de los discos mejor realizado y de incuestionable calidad musical.

Estética e Historia de la Música Ligera Española 3a parte


SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (III)


La música entre y después de la transición

  • Al tercero de los géneros de este período es al que siempre se hizo poca justicia., injustamente, valga la redundancia.
     
      La música romántica siempre estuvo marcada por la etiqueta de “música para señoritas” y  sus artistas, tratados como Adonis carentes de talento. No sorprende entonces, que hayan caído en la actualidad en el mayor de los olvidos, una vez pasado su envidiable  juventud.

Recientemente se nos fue María Trinidad Pérez de Miravete Mille (Mari Trini) y a ella dedico este artículo que ahora publico para vosotr@s. Y se fue como much@s otr@s, sin pena ni gloria, sin un reconocimiento a lo que ha dado a nuestra cultura musical, pero eso es algo a lo que hay que irse acostumbrando.

Definitivamente, injusto el tratamiento que han tenido estos artistas por la crítica y por otros sectores que acabaron pensando que criticar la política del país o rendirse a los efectos colaterales del panoroma internacional era más loable que no hacerlo.
Sin hablar, por supuesto, de la tendencia a “revalorizar” lo que nos viene allende de nuestras fronteras que siempre nos ha caracteriado, con personajes tan faltos de talento como Madonna, Britney Spear y tantas otras. Escaparates de una cósmetica osadía,banal y basadas en la provocación, no resueltas a aportar nada al enriquecimiento musical.

Sin embargo, artistas los hubo, y de calidad y cualidad sin traspasar las fronteras españolas. También, como no, hubo quienes aprovecharon este tren para subirse pero fueron eclipsados por aquell@s que demostraron que cantar era una cosa y ser artista otra.

Además de nuestra reciente desaparecida Mari Trini, que nos cautivó con sus pinceladas francesas, pero también con canciones tan hermosas como Una estrella en el jardín, el vals del otoño, Yo no soy esa…se sitúan Raphael, Camilo Sesto, Nino Bravo, o Julio Iglesias por citar los más representativos junto a Basilio y Paloma San Basilio que aunque venidos de Latinoamerica desarrollaron aquí gran parte de su carrera musical.

¿Dónde está el talento de estos artisitas?. Tenemos dos respuestas igualmente válidas.
 - La primera, en su voz que no sólo es una cualidad sino que se va haciendo calidad con el dominio de la dinámica, del uso de los registros, de la sensibilidad.
- La segunda, al gran poder creativo de sus compositores. Aquí no podríamos olvidar a Juan Carlos Calderón (1.936) o Manuel Alejandro (1.933)

Pero no sólo muchos de estos artistas se dedicaban a cantar, por el contrario, desarrollaron también la composición.

Al márgen del reconocimiento internacional incuestinable que tuvieron, España siempre fue reacia a dar un merecido lugar a sus trayectorias, y aquí sí podemos ver cierto recelo político o aristocrático con el que se ha querido tildar a estos artistas.

Pero el desconocimiento del público, les hace no tener en cuenta, que la versión española de Jesucristh Superstar no estuvo exenta de censura, de amenazas y de una gran muralla levantada por el dogma y la inviolabilidad de nuestras costumbres. Esto, por poner un ejemplo.

Lo más destacable de la música romántica es su sello de identidad: suena a español y a eso se debe su gran éxito internacional que no tuvieron otros géneros antes mencionados.

Esperemos que esta retrospectiva y que la Historia de nuestra música haga un verdadero balance de equidad y al menos, dé a cada cual su sitio.

Estética e Historia de la Música Ligera Española 2a parte



SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (II)


La música entre y después de la transición

  • El país vivía un momento idóneo para un género que aunque no era estrictamente de herencia extranjerizante, sí tuvo algunos representantes como la archiconicida Joan Baez o Bob Dylan por poner algunos ejemplos, aunque evidentemente, el contexto era muy diferente.

      Muchos han tratado de ver una causa-efecto en esta canción-protesta o de cantaaturo en el cambio político de España, pero nada más lejos de ello. La posible influencia que la música tuviera debería ser minimizada. Las cosas no ocurren de ese modo.

      En general, el modelo de cantaautor se representa o identifica con una sola persona, que compone y canta. Pero, quizás de manera aislada aparece en 1.972 un grupo formado por Mª Isabel Martín, Lola Bon, Antonio A. Ligero, Ángel Corpa, Crisanto Martín, Gabi Travé y Rafael Castizo que se convierte en Jarcha, un peculiar nombre extraído de nuestra lírica popular musulmana.

Que duda cabe, que Libertad sin ira, representa un himno que reclama un importante cambio en la concepción política fehaciente, y arriesgada aún en la fase terminal de la Dictadura.

Este género también fue cultivado por amantes de la poesía costumbrista (Machado) o beligerante (Miguel Hernández) como el catalán Joan Manuel Serrat menos comprometido actualmente y probando en otros estilos más cercanos al jazz o el sinfonismo.

Hay que tener en cuenta, que el género canta-autor guarda una estrecha relación con el ambiente universitario propagandista del movimiento reaccionario.

También debemos citar a Victor Manuel y Ana Belén, militantes del partido comunista que ejercieron en su momento una fuerte reacción contestaria al sistema político imperante y que también acabaron infelizmente publicando álbumes como El lanzador de cuchillos (1.984) o la canción Lía.

En menor medida hubo otros representantes, pero en todos ellos se vió, al márgen de la crítica política nacional, un sentimiento regionalista: Serrat cantaba muchas canciones en catalán, y Victor Manuel sentía una profunda admiración por Asturias y sus tradiciones, encomiable, sin duda.

A caballo entre lo romántico y de canta-autor se sitúaba José Luis Perales que huyó del compromiso político, pero no social, como Samartinas del amor, o Es Navidad.

Estética e Historia de la Música Ligera Española 1a parte


SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (I)

Es de sobra conicido, que la estética varia con los tiempos, a veces condicionada por otros factores no estrictamente musicales o artísticos. Toda época ha pagado ese precio.

Pero no cabe duda que cada estética generalmente es una ruptura con la anterior y esto no sería una premisa negativista si en dichos procesos de transformación se mantuviera el concepto de “calidad” y “cualidad”.

Para este artículo que publico voy a remontarme a tres etapas importantes de nuestra historia musical en cuanto al mal llamado Música ligera se refiere.

La música entre y después de la transición

Tres importantes géneros comienzan a desarrollarse en las últimas etapas de la dictadura franquista: la música romántica, la música de cantaautor y la música heredada de fenómenos internacionales.

  • Comenzaremos hablando de la tercera de ellas sin atender a una cronología sistemática. El efecto “The Beatles” y tal vez en menor medida “The Rolling Stones” (éstos últimos mucho más censurados en nuestro pais) se dejó notar en nuestra cultura musical.. Una pléyade de bandas crecieron tratando de imitar a los que fueron sus mitos y consecuentemente un género importado, imitativo y falto de creatividad no dejó calado internacional muy mediatizado por la política del momento y con una repercusión nacional pasajera.
      A esta etapa corresponden grupos tan variopintos como Pekenikes, 1959 (con los hermanos Alfonso y Lucas Sainz al frente), Los Módulos, 1969 (con Pepe Robles). Los Pasos, 1966 (lanzado por Hispavox), Fórmula V, 1967 (Francisco Pastor , Antonio Sevilla , Mariano Sanz , Amador Flores "Chapete"  Joaquín  de la Peña "Kino" ) y muchos más que haría una lista interminable.

      Englobar a todos estos grupos en un mismo criterio de calidad y cualidad sería no sólo una injusticia, sino una  necesidad, pero bien es cierto que no se    caracterizaron por desarrolar un verdadero estilo que representara un sello de identidad de lo que nuestro país podía decir sobre aquel nuevo estilo musical.
      No debemos olvidar tampo, que el panorama musical de aquel tiempo venía   arrastrando los tópicos propios de nuestra más nacionalista época decimonónica con la tonadilla y la posterior Canción Española (que inevitablemente nos definía en el marco internacional). Sin que esto sea un reproche a lo que nuestros artistas del género hicieron (muchos de ellos y de ellas de notable calidad), la  reacción no se hizo esperar, y encotramos en el exterior la respuesta.

      De todos estos grupos merece una atención especial “Canarios” con el singular Tedy Bautista (uno de los padres de la SGAE) ,Germán Pérez,Álvaro Yebenes, Tato Luzardo, Feliciano  "Nano" Muñoz,Alfredo Maiquez, Vicente   Maiquez,Graham Bircumshaw en sus   inicios del año 1.966

      Aunque nuestra historia, como siempre, no les ha dado su lugar, su repercusión  musical, su calidad y sus cualidades creativas lo sitúan entre los mejores representantes de esta música de tradición internacional. Si alguien aún duda de ello, le recomiendo que esuche “Ciclos” BMG 1.993 Ariola en su versión CD.

      Pero, como ya hemos dicho, las estéticas cambian y otras oleadas vendrían amparados por el éxito de estas bandas.

Estética e Historia de la Música Ligera Española 6º y última entrega


SOBRE ESTÉTICAS EN LA  MÚSICA LIGERA ESPAÑOLA (VI)


Dando paso al presente

Sería interesante para cualquier sociólogo estudiar qué ocurrió con la música tras el declive de los ochenta.



Sin duda, nuestro presente arranca ya con Mecano, un grupo que venía de cosechar innumerables éxitos de venta y popularidad en y fuera del ámbito nacional. Con los hermanos Cano y Ana Torroja la música se convirtió en un verdadero producto de consumo respaldado por aquellos que no querían continuar escuchando las provocaciones de los movimientos rebeldes. Esto no era nuevo en la Historia, la manipulación ideológica que buscaba no tener quebraderos de cabeza con una juventud que aprendía deprisa. Y Mecano era una de sus mejores artillerías para esa lucha.

La música estaba abocada a lo banal ,al plagio y al mestizaje como alternativas. El panorama internacional tampoco era más alentador. Madonna triunfaba con una versión descafeinada de Marilyn y manipulada y a ella le siguieron toda una estela de clones.
Este cambio de la estética musical volvió a situarnos en la época del café de salón o de los resonadores del costumbrismo musical. El mestizaje se malinterpretó o no supo sacarsele partido y dio lugar a fenómenos tan desafortunados como Estopa,,Jarabe de Palo,o más reciéntemente El Arrebato.

Asistimos en este período a la cultura de lo efímero, también llamada del pelotazo. De unos oyentes conformistas, bien entrenados para ser consumidores.

A todo este infortunio, hay que sumar la gran competividad del mercado en el cual proliferaban discográficas a cada dos metros y sobretodo a la piratería y la descarga ilegal con el nacimiento del mp3.

Esta situación sólo se vió favorecido, parcialmente, con el fenómeno de Operación Triunfo. Por primera vez en la historia de la música española, existía la posibilidad de dar una preparación musical a nuestros artistas de calidad seleccionando entre los que disponían de cualidades. Pero, no nos confundamos, la cualidad y la calidad no siempre va ligada a la creatividad y la innovación. Desgraciadamente, los cantantes que salen de esta Academia no aportan nada nuevo a nuestro bagaje musical. Se impone la ley de mercado y la estandarización de los artistas y el estilo.

Esto nos lleva a nuestro final y a la gran pregunta. ¿Estuvo siempre la música mediatizada?, ¿Fue fruto nuestra Década Prodigiosa de un verdadero movimiento creativo o por el contrario un montaje? ¿ Fueron los setenta una época de autétnica protesta social y política o se convirtió en un servidor del sistema productivo para grabar discos y enriquecerse?

La industria musical no es un producto de reciente creación. Desde la invención de Edison, muchos han querido anteponer  producto sobre arte, sólo las estéticas cambian. Aunque , claro está, algunas mejor paradas que otras.
Voy a arriesgarme a culpar a las discográficas, al marketing, al merchandising y a todos aquellos que vieron que el arte era un buen campo de explotación y generador de riquezas.