Porque Cádiz no es sólo Carnaval

Corría el año 1.979 cuando unos niños gaditanos representaban a España en el primer festival de la canción Iberoamericana: Antonio Flor, Juan Luis Guerrero y José Monzón.

La canción del marinero, con música de Antonio Escobar y letra de José Antonio Galiana, demostraba que Cádiz es algo más que Carnaval, gracia y flamenco, con todo el respeto que merecen estas manifestaciones culturales y populares.

Actualmente, no hay mucha afición por las Escolanías, de donde salieron estos chicos que tan honorablemente abanderaron a España en dicho festival. Me consta, sin embargo, que algún que otro amigo de universidad se empeña y trabaja por que los coros infantiles no se pierdan.
Aquella letra que escribiera Galiana, además, tenía un componente de valores.

No al din din din din din de tu dinero

  

Ni en el tan tan tan tan tan de los motores

  

Ni en el humo ni en la espuma de los vientos

  

Hallarás marinerito tus amores…

  

Ese niño que con alma pura y simple

  

Multiplica por siete la esperanza

  

Es la paz, es la paz

  

Que bendice a cada hombre desde el rayo de su luz

  

Desde el rayo de su luz de su mañana

  

  

Cuando un niño te sonría abiertamente

  

Una flor se renueva a la esperanza

  

Es la paz, es la paz

  

Que te mira con amor en el surco de ilusión

  

En el surco de ilusión de cada alma.

German Coppini: dime hacia donde caminas y te diré quien eres.

No puedo estar más de acuerdo con el artículo que Julián Ruiz ha firmado en la página de cultura de El Mundo en su versión digital.

German Coppini ha sido, como el resto de las grandes figuras de nuestra década prodigiosa e irrepetible, viendo y escuchando el panorama nacional, un desencantado y un artista silenciado por aquellos que ahora apuestan por "la música para imbéciles": sin contenido ni sustancia, eso sí, con mucho edulcorante y compuestos químicos.

Pero lejos de parecer una excepción, sólo hay que mirar hacia atrás, algo que hoy tampoco se suele hacer con mucha frecuencia, para comprobar que todos aquellos artistas con su chispa de genialidad de épocas remotas y menos distantes, han sido fruto de este efecto mordaza. Era más fácil callar a todas aquellas bandas de pop y rock, de someterlos a que se "adaptaran" a sus necesidades y colocarlos en la gran pantalla con programas cutres y de dudosa calidad. Los que no pasaron por aquel aro del sometimiento, de la "conversión" ,fueron condenados al olvido, tanto que ni sus discos aparecen hoy con exigua frecuencia en tiendas comerciales, relegados a la sombra y a la clandestinidad.

Es muy probable, que German se hubiera sentido muy feliz con ese calificativo de clandestino, pues en realidad, todos aquellos grupos o al menos una gran mayoría era un revulsivo que a fuerza de hacerse oír y la imposibilidad de poner cinta adhesiva a las bocas de sus miles de seguidores,  pudieron brillar mientras las fuerzas ocultas esperaron, aguardaron silenciosas y utilizando las mejores estrategias y, entonces llegó lo que llegó ( ver post Estéticas de la Música Española).

Recuerdo, en mis años de juventud que teníamos un grupo de música y uno de mis queridos amigos era un enfervorecido seguidor de Coppini. Ahí aprendí a escucharle, que no es lo mismo que oírle, y a descubrir su capacidad creativa desbordante y sorprendente. No lo veíamos como ídolos, como hoy día se les llaman a ciertos artistas o famosos, sino como unos locos con un gran sentido de cordura.

Buscando en Google noticias, me ha sido difícil encontrar en la sección que ellos denominan espectáculos (craso error denominar así a la cultura) ni una referencia a la muerte de Coppini. Parece que esa sombra oscura que planea sobre las cabezas de todos aquellos artistas de la generación maldita, están abocados a que ni se les reconozca su muerte o su contribución al mundo de la cultura. Cuatro o cinco noticias me llegaron en ese mismo portal del grupo éste de punk (o eso dicen ellas) que han sido absueltas. En fin, España, ¿Cuándo cambiarás?

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German, allá donde estés, yo si miraré a tus ojos, en mi, como en muchos de tus seguidores, no verás mentiras, sino un profundo respeto por tu trabajo y tu contribución personal en la creación universal.

Rodolfo Mederos y el bandoneón

Quisiera en este post, no presentarles, pues sería una osadía por mi parte, una figura más que consagrada: Rodolfo Mederos.

Y lo hago, con la intención, como en tantas ocasiones, de que su paleta de sonidos no se condicione por la terrible fuerza manipulativa de los medios de comunicación, que hoy son los que ponen y quiten reyes.

Yo me considero un apasionado de la música argentina, en realidad, de la buena música de raíz que no puede perecer, no puede sucumbir a lo efímero de las modas y al influjo demoníaco de la sociedad de consumo.

Como otras tantas veces, no me cansaré de decir qu,e la cultura y el arte no es un producto de entretenimiento, sino un caudal de conocimiento, de sabiduría y es, a este caudal, que yo llamo buena música.

Hablar de la música argentina es por tanto hablar de cultura, y de eso entienden mucho este pueblo, me refiero al argentino, claro.

Rodolfo Mederos es un bandeoneista de culto, que además compone y realiza arreglos, y que lleva toda su vida abrazado a este instrumento como un elemento más de su cuerpo humano.

Además de una inagotable fuente de producción de tangos, lo que más me atrae de Mederos es su sensibilidad para extraer de este instrumento toda la belleza, riqueza y variedad de gamas sonoras posibles e imposibles.

En una tierra donde el bandoneón es un instrumento tan autóctono como nuestra guitarra española, es difícil que la tradición llegue a perderse, no obstante, Mederos está recuperando del olvido, músicas que injustamente no están en los repertorios habituales ni en el saber popular y menos en las nuevas generaciones que ya han dictado sentencia contra cualquier música considerada "del pasado".

Actualmente, en su formación de trío y me gusta citar los nombres, porque a veces caemos en la infantil idea de que el éxito de un concierto o una grabación corresponde sólo a una persona, están a la guitarra Armando de la Vega y al contrabajo Sergio Rivas.

Déjense cautivar por Rodolfo Mederos trío, y ese sonido tan peculiar que el bandoneón un día saliendo de los arrabales dio orgullosamente una cultura musical a nuestra querida Argentina.

Rodolfo Mederos en El Estudio

El vacío de las palabras

Oigo a menudo en estos días el término "talento" y reflexiono sobre la vacuidad de las palabras o cuanto menos, de su mala colocación.

La palabra es, sin lugar a dudas, la cosa más subjetiva que el ser humano ha inventado.
Y ocurre que ciertas palabras se convierten en modas, como contundente, oída más de mil y una veces con usos tan dispares y disparatados que a veces uno realmente piensa si ciertos medios de comunicación  reflexionan sobre lo que dicen o escriben para millones de personas.

 Llega hasta ocurrir que el término cae en una falta de poder absoluto, de propiedad, tanta contundencia llega a convertirse en un hábito, en algo común y por tanto, la palabra ha perdido cualquier capacidad determinante.

El término talento también se ha puesto de moda, y no sólo en el mundo artístico, sino también en registros tan insospechados como la política, la economía o el deporte. Ciertamente, en todos ellos tiene cabida, pues no está adscrito a una categoría concreta. Lo que resulta más sospechoso es que hace unos meses nadie hablara de ello, y ahora parece que todo el mundo es poseedor de esta facultad.

Y en esta subjetividad de las palabras, uno acaba pensando que una determinada acepción puede tener jerarquías, es decir, uno puede ser talentoso, que erróneamente se confunde con potencialidad, haciendo sandwiches de jamón y queso, si se compara con cualquier lugar de comida rápida tan de moda también en estos tiempos. Pero claro, ¿y ante el mejor de los gourmets?, cambia, ¿verdad?

Pues yo quiero hoy ofrecerles mi definición de talento, y que sean ustedes quienes juzguen si tengo razón o no sobre esta banalidad de las palabras.

El talento, es generalmente innato,  pero ocurre muchas veces que es desperdiciado, pasando entonces a ocupar el rango de potencial. Para que el talento tenga visos de éxito necesita de la práctica, tanto o más que de las facultades innatas.

Por tanto, hagamos un correcto uso de las palabras y no trivialicemos o queramos tirarnos flores creyéndonos poseedores de un vocabulario privilegiado.

Y para ilustrar mi visión de talento, traigo dos ejemplos que a buen seguro hará a muchos sonrojar y a otros, a pensarse bien lo que dice cuando le pone nombre a alguna cosa.

Alexey Arkhipovskiy

Liu Xing 3er mov. Reminiscencia de Yunnan

LOS PANZA Y SUS BARATARIAS (Suite a la estupidez humana) 2.013 guía didáctica

A finales de otro año más que se despide, se ha publicado mi nuevo álbum: Los Panza y sus Baratarias (Suite a la estupidez humana).

La portada, de cosecha propia, es bastante clarificadora. Una reunión de "aspirantes a monarcas" que cuelgan en el perchero de un esqueleto, sus rimbombantes coronas. Es lógico pensar que por el título, no se trata de una alegoría que trata de ridiculizar los modelos monárquicos, muy al contrario, las "Baratarias" y sus Pnaza son un claro exponente de los estúpidos que intentan suplantar las dotes y cualidades de un gobernador. Podría ser más elocuente en la explicación, pero creo que este álbum no está pensando para imbécil o personas poco dotadas de sesera.  

Se compone esta obra de seis piezas concebidas en forma de suite orquestal. Es un trabajo que se remonta a dos mil y doce y comienzos de éste.

Las piezas surgieron con efervescencia, y como suele ocurrir con otras composiciones, de un modo intensivo e impulsivo, en pocos días fueron concluidas y posteriormente arregladas.

No es una obra programática, en el sentido de que la titulación nació mucho después a la idea musical primigenia. Esto viene a demostrar, que,  la relación música-ideario es arbitraria y cargada de un gran subjetivismo, salvo contadas obras musicales intencionales en las que el compositor se esfuerza, la propiedad conmutativa está sujeta a caprichos extra musicales.



Los Panza y sus Baratarias es una obra orquestal en forma de suite, entendida ésta como una agrupación concatenada de ideas que tienen un nexo común,  formando parte de un todo: el carácter, la orquestación, el ritmo, etc.

No está exenta, pese a lo anteriormente dicho de obra no programática, de cierto tono jocoso, burlesco y picaresco, si se me permite la expresión. Son piezas cortas que no superan los cuatro minutos de duración, condensando todo lo fundamental de la idea.

Tal vez, por esta razón, encontré un leitmotiv inspirador basado en los últimos acontecimientos y otros no tan actuales de ciertas ideologías que pretender fracturar la unidad, argumentando posiciones de carácter soberanista, historicista, etc.

Si como dicen los científicos de cierto prestigio, el Universo tiende a expandirse, resulta contradictorio, que el ser humano se empeñe en lo contrario. Yo abogo por la universalidad no por la compartimentación, algo sin duda, con cierto sabor rancio y de connotaciones que apestan a partidismo e intereses personales.

Tratar de hacer una descripción de cada pieza musical basándose en su título, sería entrar en una contradicción absurda, pero no cabe duda, que una vez escuchada cada una de ellas, su título cobra una fuerza impresionante, casi surgida de un determinismo existencial que le da vida.

En cuanto a la grabación, está realizada en riguroso estéreo. Como en anteriores obras trabajo sobre la base de la orquesta virtual que me proporciona mi Korg Extreme y, a la vista de los resultados obtenidos por la coloratura de los instrumentos, nadie dudaría de la efectividad de este gran invento tecnológico, que hace posible realizar mis sueños en una época en que llevar a cabo un trabajo orquestal es más que impensable.

El gran reto surge con la mezcla y la grabación casera y, por ende, de la falta de conocimientos técnicos que un ingeniero de sonido podría obtener. En contrapartida, trabajar de esta manera te permite una total independencia y libertad, uno mismo se convierte en juez y parte de su obra creativa.

Concibiendo un reino:

En un marcado tono jovial, con escalas cromáticas que sugieren cierto caos de eufórica esquizofrenia. El ritmo marca determinantemente el hilo conductor por medio no sólo de los instrumentos de percusión, sino por la totalidad de ellos. En esta pieza ,como en el conjunto de la obra,  existen “voces” diferenciadas que exponen su propio argumento, no dependiendo el uno del  otro salvo en la medida que el eje imaginario marca. En ocasiones, también se producen “conversaciones” entre familias de instrumentos.

La coartada histórica:

Es obvio que el viento, en general, y el metal, en particular, juega una importancia trascendental en esta suite.

El tempo viene marcado por un estilizado ritmo de vals. El “color” de los instrumentos es esencial en esta pieza en particular y, en general, en el conjunto de la suite.

La relación alternada de tempos no es casuística sino intencionada. Estableciendo un paralelismo textual: a la euforia enervada le sigue la necesidad de establecer unas bases en la que consolidar el status al que se pretende llegar.

Un himno para una patria:

El marcado carácter ternario se mezcla con el binario, se funden  para crear esta marcha que acaba en toda su pompa con la caja redoblante y los platillos. Como cualquier marcha, no está exento de ese optimismo embriagador que la circunda y que contagia. Recuerda, en este sentido, a las famosas marchas que solían componerse tras el fin de un período bélico o la celebración de un acontecimiento ejemplar transmitido al pueblo en forma de música.

¿Dónde están mis aliados?

El viento metal asume aquí su protagonismo junto al melancólico clarinete que expone un tema lastimero, y la incertidumbre o duda que refleja la flauta, el oboe y el fagot. El oboe toma el relevo del clarinete y la cuerda actúa de caja de resonancia del mismo.

El tema trata de transmitir esa sensación de soledad  angustiosa y decepcionante asaltada por la confusión y la duda de no ser uno mismo responsable de tal situación. Las expectativas siempre suelen estar rodeadas de un halo de nebuloso optimismo.

¡ Se hace saber! Var. De un tema popular.

El consiguiente modelo ternario recupera de nuevo protagonismo en esta pieza inspirada en “La farola de palacio” un tema popular utilizado para la creación de esta obra, con un estilo desenfadado, infantilizado.

Tombeau o el espíritu numantino:

Suele ocurrir que las ideas mueren en el caldo de la realidad o, dicho de otro modo, que siempre generamos mayores expectativas de las que al final se consiguen alcanzar.

El tombeau pone el broche final a esta sarcástica suite, tal vez bajo los dominios de un inconsciente catastrofista o pesimista de los resultados que uno espera obtener y que en definitiva, no son más que un ilusionismo, un espejismo creado a nuestra imagen y semejanza.

berekekê, 9 de noviembre de 2.013

musescore: una alternativa fácil en edición de partituras

En estos meses dedicados a la edición y revisión de mis composiciones,  así como de los arreglos para un eventual concierto, si se diere el caso, reflexiono también sobre lo práctico y útil de un editor de partituras.

No sé hasta que punto los compositores anteriores a este invento le habrían dado el ok, la partitura manuscrita tiene ventajas para el propio compositor por su rapidez y efectividad: el sonido llega y es impreso en un símbolo que llamamos nota. ¡Fascinante! Pero los grandes inconvenientes llegan pronto.

 Por ejemplo, errores no contrastados con el reproductor que ofrece un editor, el papel siempre puede deteriorarse, mancharse e incluso extraviarse ¡una pérdida incalculable!, entre otros aspectos.

En mi época de estudiantes de Historia y Ciencias de la Música en la Universidad Virtual de La Rioja, me ofrecieron un programa para una asignatura que se me atragantó,  y que supuso uno de los motivos de mi posterior salida de la carrera. La profesora me acusó hasta de haberla engañado, jaja. Increíble. Tal vez con 20 años sí, pero con treinta y picos ponía en duda mi reputación.

Pero volvamos al tiesto, el programa en cuestión se llama musescore (con un calderón en la u) y no porque esta empresa me pague comisión alguna por anunciarlo, simplemente es necesario dar el nombre para poder encontrarlo y explicar sus características.

Sin el uso del programa con MIDI (al que ni me he atrevido, además de que mi tarjeta de sonido no tiene dicha conexión), la edición de partituras es un trabajo lento, a veces eterno, eso si, todo va sobre ruedas, porque, al menor problema de no haber guardado algo (yo recomiendo hacerlo cada cierto número de compases), el editor se colgó y no te diste cuenta ,o un apagón acabó con tu trabajo; que sería el colmo del desánimo y de mandar la tecnología a freír espárragos.

En contrapartida, tiene muchas utilidades muy prácticas, y cuando aprendas a usar los "atajos de escritura" será coser y cantar.

Entre las utilidades está, por supuesto, el reproductor, que te permite hacer un seguimiento de lo que estás escribiendo.

También el mezclador es una característica muy práctica, pues puedes seleccionar aquellos instrumentos que quieres oír independientemente.

Para partituras extensas, como las orquestales, tiene una opción de impresión de partes, con lo cual no tendrás que aburrir a tus músicos con toda la letanía, sino sólo con el salmo correspondiente.

Creo que hay muchas cosas mejorables, como por ejemplo, las relativas a dinámicas y carácter de una pieza. También el poder seleccionar más de un compás para copiar y no de uno en uno, que lleva a veces al agotamiento. En cuestiones de repetición, también sería mejorable, resulta un poco complejo dónde colocar la coda, por qué las repeticiones no suenan como tú quieres, etc.

Tal vez muchas de estas opciones comentadas estén disponibles en una versión más actualizada, yo trabajo con una muy simple.

Como toda edición de partitura, nada supera a la realidad, ese es un obstáculo insalvable. Ningún símbolo puede representar lo que el compositor tiene en su cabeza, y lo que quiere transmitir. Está, por tanto, el trabajo de dirección, en caso de piezas orquestales o, de equipo en agrupaciones de cámara.

Espero que este post os haya sido útil.

NOTA: programas como éste, GNU, acaban imponiéndose a los profesionales, que abusan de la paciencia y el respeto de sus clientes. 

Del intrusismo, de las fronteras del arte y el espacio cuartelario

En esto días, creo que todo el mundo habrá sido debidamente informado que ahora la calle es un espacio cuartelarlo.

¿Qué quiero decir con esto?, pues eso. El espacio público se ve restringido, amurallado y custodiado por los cancerberos dispuestos a hacer cumplir las órdenes que le llegan de arriba. Patético.

Pretender demostrar que, un músico callejero es un intruso, porque no paga impuestos, no declara a la Hacienda Pública, es un oportunista en beneficio propio, desvirtúa la profesión, es una auténtica majadería.

En primer lugar, porque el músico callejero no exige un salario, sino la voluntad de aquellos dispuestos a ofrecerle algo para su sustento. Al no ser un asalariado, esta exento de cotizar, pues nadie le ha contratado, ni ofrece ningún servicio público, salvo el de llevar sus habilidades artísticas a cambio de unas monedas.

En segundo lugar, porque el espacio público no puede ser un espacio cuartelarlo, regido por unos que se otorgan el derecho de propiedad. Ni en la misma Grecia antigua, ni en el Imperio romano, existió o se consideró un delito. NADIE, puede gobernar lo que es de todos ni exigirse limitaciones.

En tercer lugar, porque existen otros hechos que SÍ peligran sobre la vida del profesional de la música a la que nadie quiere poner el bozal, se llama DESCARGA ILEGAL, eso es intrusismo. El músico profesional no corre ningún riesgo, porque ninguna persona con sentido común puede comparar que un concierto es lo mismo que una actuación callejera, eso sólo puede venir de la mente de un imbécil.

En cuarto lugar, el arte no puede estar limitado siempre, y cuando no ofenda o ataque con los intereses públicos o suponga una provocación para el gobierno de un Estado.

Yo animo a los músicos callejeros a que formen un comité, y defiendan sus derechos, derechos que pasan por no convertirse en los chivos expiatorios de los males por los que el arte esta pasando, y que los gobernantes quieren clausurar con estos procedimientos. Les animo a que utilicen el espacio que es de todos, que no ejerzan su labor en restaurantes o bares que puedan incomodar a quien libremente también elige tomarse un café o una cerveza y no pidió ningún otro plus para ello. Pero, las plazas, los parques, los espacios abiertos, no pueden quedar silenciados ,y nunca mejor dicho, por quienes pretender hacer nuevamente propaganda política de como limpiar las calles de indeseables.

Músicos callejeros, tenéis mi apoyo y mi más profundo respeto.

Cuando los hechos hablan por sí mismos

La noticia ha saltado a los medios informativos: La Ópera de la Ciudad de Nueva York está en bancarrota.
Podrían sacarse muchas conclusiones de este hecho, y establecer distintas variables, pero yo me quedo con la siguiente: ¿Qué supone el fenómeno operístico para un norteamericano?

Para empezar, es casi, y digo bien, casi imprescindible  remontarse a , de quién parte esta idea: de un italiano afincado en Nueva York.

Por tanto, la ópera, no es consustancial al espíritu de vida americano, sino una exportación cultural favorecida desde que muchos alemanes emigraron a los EE.UU. ,huyendo de las funestas garras del nazismo. En otras palabras es una delicatessen.

No es de extrañar, entonces, que la cultura norteamericana, que ha bebido de otras fuentes, no haya sido capaz de superar el test de apreciación popular para salir de su quiebra, porque, en definitiva, una ópera no se gestiona fundamentalmente con donaciones o limosnas, sino con el interés suscitado por el pueblo para mantenerse sobre cuatro patas.

Sin duda, nosotros, y no me refiero a los españoles, sino a los europeos, lo veamos como una gran tragedia, una gran pérdida cultural, pero para el american lifestyle, esto no supone absolutamente nada, (biien se cuidarán de que sus artistas malogrados del pop no perezcan, para mantener la industria manipuladora de su pueblo).

Siento generalizar, pero no conozco las particularidades, por tanto, si el pueblo ha decidido eso, AMÉN y que busquen en otros espectáculos el saber cultural que merecen.

A todo esto, sería más que repetitivo decir que aquí en España las cosas no van mejor, y eso sí que podría categorizarse de preocupante, aunque la ópera fuera siempre la hermana pequeña de la zarzuela.

La Ópera Ciudad de Nueva York nació con la intencionalidad de llevar al "pueblo" las grandes obras de los inmortales compositores, aunque como está el patio, puede que hasta los grandes compositores algún día dejen de ser inmortales. Craso error, el pueblo, esa masa informe nunca estuvo interesado por las obras operísticas que eran demasiado complejas para su entendimiento, la mayoría, y sobre todo en el barroco, inspiradas en las grandes obras literarias, en mitos y leyendas.

Por esta razón, el mismo pueblo le ha dado la espalda a la cultura exportada de la ópera y no queramos culpar siempre a la situación económica para limpiar nuestra imagen de mentecatos e ignorantes.

Edith Piaf: el otro camino

No soy aficionado a la televisión, y últimamente, cada vez menos, viendo en qué se gastan algunas cadenas el dinero, pero ayer fue uno de esos días en que la casualidad o el destino, nunca sabré acertar cual de los dos, me llevo a la 2 de TVE. Como ya he dicho en otras ocasiones o en otros foros, la única cadena, no sólo a nivel nacional, que merece el mayor de los respetos y que considero bien gastado el dinero que en parte todos pagamos.

La Môme (La vie en rose) de Olivier Dahann, estrenada en 2.007 me sorprendió gratamente.

No voy a mentir, ni a dármelas de entendido, poco he oído de Edith Piaf, no he seguido ni su trayectoria profesional ni personal. Por tanto, no sé si el filme es fiel a la realidad. Lo que sí puedo afirmar es que Marion Cotillard hizo un extraordinario papel de actriz, de esos papeles que te lo crees y que te llegan al corazón y por ende, al alma. Y cuando se tocan estas fibras, es cuando uno realmente puede entrar a valorar la interpretación de un artista. Mientras, ¿para qué perder el tiempo?.

Tampoco voy a sorprender a nadie diciendo que ese camino antes mencionado, con frecuencia ha seguido y marcado la vida de muchos artistas. El alcohol, las drogas, los excesos, en definitiva, que siempre acaban pasando factura.

Sin duda, y ciñéndome al filme, la vida de Piaf no fue fácil, marcada por los estigmas del abandono, el rechazo, la soledad, la manipulación ,que puede entenderse, no justificarse sus adicciones, su carácter y sus modales.

Pero en otro artículo que escribí aquí sobre Mozart, el genio y el ser humano están en una misma persona, pero no revueltos. Cuando Edith Piaf pone al servicio de la Humanidad su voz, su talento y sus canciones, las anteriores y las posteriores a su educación musical, se produce esa transfiguración mágica que rodea a un artista y en ese momento uno es capaz de olvidarse de la persona para zambullirse en el personaje, el alma ha salido de su cárcel para mostrarse, y le ha dado al cuerpo un plano relegado. Es ahí, donde irradia el magnetismo de un artista, una Edith Piaf que nos transforma tanto si canta La Marsellesa de niña, como si lo hace en el music-hall de los mejores escenarios del planeta, a todos quienes la escuchan.

Por supuesto, este filme SÓLO podía ser dirigido por un francés, interpretado por una francesa y rodado y producido en Francia. Hollywood hubieran destrozado cualquier intento biográfico de una de las mayores artistas de la canción francesa.

Algunos críticos han dicho de este extraordinario documento que, los actores secundarios están muy lejos de la órbita de Marion Cotillard. Yo, la verdad, es que no entiendo estos comentarios, ¿y qué otra cosa cabe esperarse de un filme basado en una biografía? Además, discrepo, creo que cada actor y actriz hace un papel a la medida de lo que se espera de ellos.

No, la vida se ha demostrado que no es rosa, al menos, la cotidiana, para la mayor parte de los habitantes de este planeta. Sólo a unos pocos les está permitido vestirse con ese traje, como tantas veces hizo Edith Piaf. Gracias a la 2 por este descubrimiento y, por llevar la cultura a todo aquel que quiera acercarse a ella.

Cuando el río suena

En un diario de tirada nacional, el director Zubin Mehta ha declarado que España e Italia pasan por una situación cultural desastrosa.

Y me alegro de leer sus palabras, no por el contenido que vierten, el cual verdaderamente es lamentable, sino porque al menos me restará grado en esa connotación catastrofista de la que se me tilda en mis artículos cuando hablo de cultura, especialmente en España.

Si las palabras de Mehta fueran inicuas, todos, sin excepción, podríamos acusarle con el dedo, pero si estas declaraciones no son mas que un grano de arena que se suma a la gran montaña, entonces deberíamos prestarle mucha atención.

En otra noticia relacionada con el mundo de la cultura,y sin querer entrar en batalla cuerpo a cuerpo, Rafael de Fruhberck, que celebra sus 80 años y continúa en activo, habla subliminalmente de la Orquesta Nacional de España comparándola con otro tiempo.

Algo esta pasando, no cabe duda, cuando Mehta necesita ir a Mallorca a dar un concierto para recaudar fondos y que no se pierda la Orquesta Sinfónica de las Islas Baleares Ciudad de Palma.

Esta situación calamitosa y decadente que sufre la cultura española, por lo que nos toca, cada cual que hable de la suya, no sólo es preocupante, sino que pone en riesgo puestos de trabajo, porque todavía habrá quien me diga de: para qué leches sirve la música, si hay un porcentaje altísimo de población, de ciudadanos de a pie, que se mueren por sobrevivir. Pues, por eso, porque genera empleos y porque es una industria mas, como la metalúrgica, como la textil y como tantas otras.

Pero el artista, ¡ay el artista! ese vago que se pasa los días mirándose el ombligo, a ese, ni agua. Porque esta es la expresión populista de la ignorancia que circula por las calles de nuestras ciudades españolas.

 Mientras esto no cambie, difícilmente lo hará la situación. Y de no existir esa dependencia que el artista demanda de un publico que contemple su obra, nada sería tan difícil y la autoestima no sufriría tan grandes golpes de palo.

Hay, sin embargo, aún si cabe, algo más preocupante. Si esta situación está sucediendo bajo el amparo de un gobierno de derechas, ¿Qué no ocurriría con uno de izquierdas?, que aborrece la herencia de la que procede la mayoría de los artistas que se cultivaron bajo las arcas de principados, marquesados, etc.

 Ese estigma "nobiliario" del arte de un currante que tuvo la fortuna de encontrar quien le recompensara por su obra, y que la izquierda utilizó para su propaganda y su panfletada de "el pueblo".

Pero no es al pueblo al que le debemos la 5ª de Beethoven, ni las Bodas de Fígaro de Mozart, ni los Conciertos de Brandemburgo de J.S. Bach, ni los cuadros de la escuela holandesa. Todos esos tienen nombres y apellidos, y aunque son pueblo, no son masa, que es lo que pretende fomentar estas izquierdas desorientadas.

Pues como digo, me preocupa, que un gobierno de derechas haya usado el sable para cortar cabezas , tal vez temerosos de que se conviertan en boomerangs.

En el fondo, aunque el arte está muerto, el artista, no; esta burguesía que vilipendia cualquier manifestación artística, que no satisfaga, o bien su sed de ocio y consumo (deplorable), o bien su bolsillo, son los dos lados de una misma carta: derecha o izquierda.

¿Qué le queda entonces al artista? Espacio, poquísimo, pero siempre en determinados períodos surge un amante de la cultura, no necesariamente un intelectual, que a veces producen vómitos por su pestilente arrogancia, sino un verdadero amante en el sentido más literal del término, que ofrece lo que por suerte o por esfuerzo, el destino le concedió, y es capaz de ponerlo al servicio de aquellos que no encontrando ningún placer en lo mundanal, nos hemos refugiado en las artes, una manera de desintoxicarse de la triste realidad que nos ha tocado vivir.

Enrique instrumentos: la perseveerancia de un gaditano

En Cádiz, no es fácil encontrar buenas tiendas de instrumentos musicales. además, con el mercado online, muchas de ellas se han visto sometidas a la difícil competencia que impone la comercialización.

Enrique Instrumentos, es una tienda de toda la vida, en un lugar muy gaditano de la ciudad antigua.

Entre sus grandes ventajas tiene, como cualquier tienda, la venta directa, el trato amable, la experiencia de una tradición familiar y, allí encontrarás muchos instrumentos relacionados no sólo con otras culturas, sino con la local como guitarras, bandurrias, laúdes, pitos de carnaval, etc.

La modernidad se impone y Enrique Instrumentos debería trabajar más en crear una Web accesible y competitiva, que le permita expandir su negocio.

Enrique Instrumentos Musicales

Antonio Carvalho: la tradición portuguesa

Antonio Carvalho es un luthier que trabaja fundalmente para tiiendas en Portugal y otras partes del mundo.

Goza de un excelente prestigio en la fabricación de instrumentos tradicionales de Portugal.

Web no disponible.

David Cosano:un joven luthier de la tierra

David Cosano, afincado en Jerez de la Frontera, es un joven luthier y,  aunque pueda parecer contradictorio, de un gran conocimiento y experiencia.

Trabaja principalmente la familia de la cuerda frotada y relaciones, pero además es un inquieto investigador de nuevas formas de construcción de instrumentos.

David Cosano

Gabrielle Pandini: el arte de la mandolina

Gabrielle Pandini es un luthier de Ferrara, Italia, que se dedica principalmente a la fabricación de mandolinas y otros instrumentos de la familia de cuerda pulsada o punteada.

Las mandolinas de Pandini son verdaderas obras de arte, y una calidad profesional inigualable.

Destaca de él, su atención y disposición en el trato, cordial y amable.

Gabrielle Pandini

Alfonso García Oliva:viaje en el tiempo

Alfonso García Oliva es un cántabro que intenta, en estos tiempos difíciles, vivir de la luthería.

Fundamentalmente, está especializado en la construcción y reparación de instrumentos antiguos que tienden a quedar relegados al olvido.

Además de su trabajo como luthier, Oliva, realiza cursos y talleres en los que transmite su saber y sus experiencias.

Alfonso García Oliva

Alceu Valença: ante todo, el deber para con uno mismo

Alceu Valença es una de esas personalidades que irradia electricidad, más como toda electricidad atrae o repele, no existe término medio.

Nadie dudaría que Alceu Valença, como buen pernambucano, defiende el gran valor de la música tradicional.

Os traslado cierta entrevista que le realizaron, en la que el músico, cantor y compositor, desvela cuál es el camino que sigue el arte, la música y el ser humano en general.

PERIODISTA: Algo que poca gente sabe, es que usted fue formado en Derecho y Periodismo, ¿cómo fue que decidió abandonar esas profesiones y apostar por la música?

1. A.V. : Bien, yo soy formado en Derecho, en Periodismo no, apenas hice algunos trabajos en JB, más yo me formé en Derecho, ahora, la música fue detrás de mi, no yo atrás de la música. Creo que el arte corre atrás del artista, parece que es una energía que te empuja, esa energía me fue atrayendo contra el destino que era aquel que mi familia quería, mi padre no quería que yo fuera artista, puede ser porque las personas que desean ser artistas dejan de estudiar, o sea, entra en una vida bohemia, pero las cosas ocurren y yo agarré la guitarra con apenas dieciséis años, aprendí a tocar, nunca tuve un profesor, mi padre no me incentivaba, quería que yo me formara en Derecho, entonces yo terminé en la Universidad, una época de grandes festivales y una valorización muy grande del arte brasileño, REAL, arte brasileño, que tiene raíces que vienen de nuestras influencias culturales, primordiales, y en estos festivales yo fui participando. En un festival de la canción en que fui clasificado,  fui para Rio de Janeiro a defender mi música en el Maracazinho, canté ante un público inmenso. La primera vez que me presenté tenía cinco años de edad en São Bento da Una, y perdí el concurso, el premio, una caja de jabones, también allí en Rio perdí, mi música no fue clasificada para la final,pero me dio fuerzas, hasta que participé en una bolsa en la Universidad de los EE.UU., llevé mi guitarra, en una época florida del rock y existía muchos hippies en las plazas. Yo cogía mi guitarra y toque con los hippies que adoraban la música brasileña , sobre todo, nordestinas , baiões y tal, y ellos bailaban (risas) parecía una locura, parecía una fiesta salvaje. Cuando regresé, pensé que podía ser este mi camino, pero todavía faltó un tiempo en que continué formándome, intentado ser abogado, pero terminé sin... no tenía ganas para eso, no. No tenía ganas por causa de las contradicciones. Yo tengo un respeto profundo por los presos, a pesar de que los presos deben ser penalizados o, por lo menos, reeducados. Así si yo encontraba que el otro lado tenía razón,  yo apostaba por el otro lado.

PERIODISTA: Hoy en día, usted es considerado uno de los artistas que han encontrado el equilibrio entre las bases musicales nordestinas y los ritmos electrónicos del pop. ¿Cuáles fueron tus influencias musicales?

A.V. : Bien, eso del pop no es un ritmo, es un género, y no es un género, sería el timbre. Yo participé en festivales de rock como Roc´n Rio y otros, y utilicé guitarras eléctricas, pero a favor de mi frevo, no tiene nada que ver una cosa con otra, las personas confunden mucho eso, porque el problema de la gente, no sólo en Brasil, es de no analizar demasiado las cosas. Hay muchos críticos musicales que pueden tener sensibilidad,  pero no profundidad en analizar, es una cuestión de una enfermedad que existe en toda nuestra sociedad occidental u oriental, como está ocurriendo en China, que es el consumo, que es: usted no piense mucho. Hay quien no piensa mucho, y hace críticas que no corresponden, nunca escuché una crítica relativa a mi trabajo, más la profundidad viene a través del pensamiento, de un análisis, a través del conocimiento (para rimar). Cuando no existe esa profundidad, es difícil, las personas pierden la noción. Brasil, la gente comienza a establecer un discurso reticente, y el discurso reticente no lleva a nada, puede ser, puede no ser, son discursos que no me interesan.
Yo puedo conceptuar, esto es de esta manera, porque pienso que es de esta manera. Si mi concepto está equivocado, yo voy a modificar mi pensamiento...

PERIODISTA. Sobre tus composiciones, son varios discos, innumerables grabaciones, ¿cuál es el que usted le tiene más aprecio?

A.V. ¿Los discos? No, creo que es todo lo que hago. No es que diga que soy un genio, de una estética elevada, pero son muy honestas. Para que exista arte debe existir honestidad.  A la hora de crear, es necesario que el artista no piense en la venta, después claro, pero eso está en manos del productor. El artista tiene que tener un poco de loco, de contestador, ser un poco rebelde. Ahora, la palabra rebelde se quedó como muy rocn´nroll (risas) . Una analogía a un personaje del cine llamado James Dean. Esa rebeldía es todo rok´n roll. Yo prefiero en vez de rebelde, ser contestador.

PERIODISTA. Usted regrabó hace poco Homen de medianoite

A.V. : Exactamente. Mira, las cosas para mi no tiene un tiempo, yo digo que vivo en tres tiempos: presente, pasado y futuro, todo al mismo tiempo y ,la Humanidad creo que también vive de esa manera...

....................

PERIODISTA. Usted lleva cinco tipos de shows en este momento

A.V.: Hago un show con música de cuerda, erudito, un show de Carnaval, show de São João con baiõ, xote, xaxado; un show que yo llamo de metropolitano, haciendo canciones que yo compuse en metrópolis como Nueva York, que refleja mi vida de viajero y las ciudades por donde pasé. Un show pop y un show de rock, que no es rock, pero que los festivales de rock me llaman... Es un Alceu Valença multicultural, la multiculturalidad ya está intrínseca en nuestra tierra y que la referencia de extranjero sólo es para envenenar la cosa, que la música viene del mundo que la circunda, a pesar de estar conectado a internet, está bien, más yo aquí estoy mirando el mar, en contacto directo con las cosas físicas que entran en la cabeza de los artistas en forma de canción, de música, de arte. Creo que la música del entretenimiento es una mierda. Es más dinero que arte. Yo doy un dedo abajo a la industria del entretenimiento y digo: viva la industria cultural. Brasil es un país con muchos eventos y eso debería servir para que el país tuviera más pasión por lo que es suyo, más desgraciadamente la gente ve una cosa horrible que significa cuando el vehículo es dueño del artista, cuando la radio es dueña de la banda,  y eso deja de ser artista para ser un ventrílocuo de las cosas imbéciles que un empresario manda que tiene que hacer. Empresario siempre va a ganar dinero, ahora, artista es para ser artista, tiene un sentimiento, tiene un sufrimiento, tiene alegría, es un loco, el empresario  no es loco, le gusta ganar mucho dinero y gana dinero, es bueno para Brasil empresarios ganen dinero. Ahora, cuando está cerca el artista, es necesario mucho respeto al arte, más la sociedad piensa sólo en el vil metal. Ahora vamos a preguntar algo así, el Brasil crece mucho y precisa de una banda sonora suya inspirada en sus músicas tradicionales... pero Brasil siempre quiere imitar a otros países. Yo estuve en Europa ahora y las personas están enamoradas de Brasil, pero esa falta de musicalidad se debe a que la gente está acostumbrada a ser “cachorro viralata” y a ser carne de segunda. Quien imita a Madonna es Mal Dona y quien imita a Lady Gaga es Lady Caca, un abrazo para ustedes, adiós, fue muy buen la entrevista.
(Y continúa..)
El mundo es una bola, la bola es esférica, el mundo no sólo es la Tierra, el mundo es redondo (improvisa unas rimas) El mundo no es sólo eso, si el mundo piensa sólo en comer, comer, se vuelve esférico, más que el Universo,  se vuelve gordo, obeso, ahí va tener un problema, ¿cuál es el problema? De securité, para la salud pública. Hagamos campañas para que la gente salga a la calle, conversen, dialoguen, para que refuercen el EJERCICIO MENTAL, para no engullir todo el tiempo: COMA, COMA y usted come, BEBE, BEBE, y usted bebe, COMPRE UN COCHE y usted compra un coche. Es por eso que el tiempo tiene que parar. Adiós.

La suite: un concepto de integración europea

Partita, ordre, ouverture y otros muchos nombres recibió la suite.  A veces, es frecuente encontrarla con el nombre de obertura, debido a que esta pieza, introducida tardíamente junto a la sonatina, el preludio o la sinfonía (términos todos aún ambiguos), regularmente era de una gran extensión. De hecho la obertura se originó en el ballet de cour francés.

En otro orden de cosas, la suite , término aparecido por vez primera en las ediciones de danza de Attagnant (Paris, 1557) puede ser traducida como sucesión o secuencia. No en vano, se componía de parejas de danzas llamadas en la corte pavana y saltarello o Dantz (danza) y Hupfauf (salto) popularmente en alemán, de ritmo par e impar correlativos.

No hay duda, que las suites de ballets y orquestales le deben mucho a Lully y a Rameau, mientras que las suites clavecinistas y laudísticas marcaron los cuatro movimientos-tipo  (Allemande, Counrateé, Sarabande y Gigue) de la mano de Chambonieres o Gautiers y muy seguida por los clavecinistas alemanes.

La importancia que adquirió la suite en Alemania, se debe principalmente a los discípulos de Lully, algunos como Georg Muffat que publicó una antología de la suite orquestal llevaba al extremo de incluir el toque francés del arco en las cuerdas, entre otras muchas referencias a la interpretación. Además Fux, Tellemann y J.S. Bach tuvieron la suite orquestal como libro de cabecera.

Häendel, en Inglaterra, fue aún más lejos. La primera suite de piezas (1720) no sólo contiene estas danzas, sino un compendio de todas las formas y estilos de la época hasta el momento conocidas.

Y qué decir de las Suites “francesas” de un Bach maduro en la que se han fusionado todas las formas de danza francesa, italiana, alemana y española (nuestra Zarabanda) de manera que,  no aparecen una al lado de la otra sino integradas en el mismísimo sistema medular de la suite.  Nada más sublime es posible si tenemos en cuenta que ya la suite había pasado de moda cuando el gran compositor alemán las recuperó nuevamente para deleite de todos.

La música, siempre la música, nos sirve de marco de referencia de la unidad, de la integración, del modelo europeo en este caso, aunque yo siempre tenga como punto de llegada el modelo universal. Un modelo que sea ecuánime con las diferencias, justo en la medida y el tiempo que cada lugar se merece. No hablo de globalización, ni de una música única entendida como el logro de la raza humana, sino de las piezas que conforman el gran puzle de nuestra especie (o al menos, lo mejorcito de ella).

La suite llegó a ser en Europa el más claro ejemplo, el diapasón que determina la exactitud de la afinación, y no hablo sólo en término musicales. Que duda cabe que mantenemos diferencias, siempre las habrá, es consustancial a nuestra existencia, pero como ocurre siempre, las altas esferas que manejan este insondable universo nos iluminan para extraer lo mejor de cada uno de nosotros, póngale usted el nombre que quiera. La música como un principio de fecundidad superior, no es sólo un producto humano. Decía Mozart que, si bien él pudiera parecer vulgar, su música no lo era.

No busquemos en nuestros políticos, aquellos que dicen representarnos, el modelo de Europa, porque esa búsqueda es infructuosa, estéril. La literatura, el pensamiento, la filosofía y las artes, son el faro que debe guiar a los navegantes, sólo es posible conseguirlo desde la independencia, y de ésta bebemos todos aquellos que cada día ponemos nuestro grano de arena en la construcción de un mundo más igualitario en sus diferencias.


BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA.

Michels, Urich: Atlas de Música I ( Madrid: Alianza Editorial Edic. castellano, 1.998)
 vol. 1

Grout & Palisca: Historia de la música occidental 1 (Madrid: Alianza Editoria, Edic castellano,2.006) vol. 1

Bukofzer, Manfred: La múica de la época barroca: de Monteverdi a Bach. (Madrid: Alianza Editorial. Edic. castellano, 2.006)

Brasílio Itiberê: las semillas del nacionalismo brasileño

No cabe duda que la tradición musical brasileña, al menos, la oficial y dentro de los parámetros que llamaremos “occidentalizantes”, le debe mucho a la Compañía de Jesús, de la misma manera que en Europa ocurre en la Edad Media con la “culturización” de la música.

La labor misionera, integrada dentro del rito católico, expandió también el desarrollo de la vida musical en Brasil. Tanto esto es así, que Alberto Nepomuceno (1864/1920) junto a otros compositores o personajes del clero, hincaron una férrea defensa de la música sacra en las iglesias de todo el país.

Al margen de estas exiguas pinceladas del acceso a la, llamémosle música erudita, el s. XIX, como era nota característica en Europa, estuvo cargado de intenciones e intereses nacionalistas en Brasil, en busca de su propia identidad.

Braslío Itiberê, es para muchos, el máximo representante de este movimiento.

Nacido en Paranguá, actualmente perteneciente a  Curitiba,  en el año de 1.846, Brasílio da Cunha viene de una familia culta y acomodada. Su hermana María Brasília y su madre María Lourença, junto con su padre João Manuel, fueron sus primeras referencias musicales. De hecho, la vida musical de la familia estaba plagada de actividades musicales en los llamados saraos, bailes, celebraciones etc. que se organizaban por, o con la aportación del padre de Brasilío, junto a otros reconocidos músicos de la época y zona.

Brasílio, según el musicólogo Vasco Mariz, añadió Itiberê en honor al río que desemboca en la Bahía de Paranguá, la aceptación fue tal, que la familia adoptó el sobrenombre.

Pero no puede decirse que Brasílio dedicó su vida exclusivamente a la música. Se trasladó a São Paulo a estudiar Derecho, y fue un importante funcionario diplomático en varios países, incluidos Italia y Alemania, que le enriquecieron musicalmente también.

Aún así, el catálogo musical de Brasilío sorprende para tratarse apenas de un músico diletante (término que debe entenderse como apunta José María Neves en Brasílio Itiberê, vida y obra, una dedicación altruista). Alrededor de 41 opus, sin contabilizar las que quedan fuera de catálogo.

Parece ser que además del talento compositivo de Brasílio, existe detrás un intérprete ajustado a la época, es decir, de un virtuosismo ejemplarizante, en el piano y como violinista.

A sertaneja op. 15 (1.869) parece ser la que define el proyecto de identidad brasileña. No obstante, como otros tantos compositores latinoamericanos, la presencia de polcas, mazurcas y otras danzas europeas son una constante en su repertorio.

La importancia de Brasílio Itiberê sobrepasa los límites del dato biográfico, y abre las puertas a la expansión cultural, como así demuestra la Sociedad de Cultura Artística Brasílio Itiberê (1.944/19.78) y que se materializó en la Orquestra Sinfónica da SCABI (OSS) en Curitiba, que mantiene viva la actividad musical en forma de conciertos, o a través de la pedagogía en el Conservatorio,  fortaleciendo y formando a los nuevos intérpretes, y quien sabe, si compositores de Brasil.




BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA.

Neves, José María Brasílio Itiberê: vida y obra
http://www.ihgp.com.br/Biografias/Biografia%20Brasilio%20Itibere%20Vida%20e%20Obra%20JM%20Neves%20201106.pdf

De Medeiros, Alan Rafael Sociedade de cultura artística Brasílio Itiberê (SCABI) http://www.artes.ufpr.br/musica/mestrado/dissertacoes/2011/Disserta%E7%E3o%20ALAN%20R%20MEDEIROS2011.pdf

AUDIOS DE INTERÉS:

http://www.youtube.com/watch?v=gcgJY_DOUhU

http://www.youtube.com/watch?v=ANBC31hLWik

Héroes del silencio: fín de capítulo o mar adentro.

Algunos me han tildado, a veces, de cierto recelo o rechazo al hablar de otras músicas, como el pop-rock.

 Ciertamente, viendo el panorama nacional, no voy a negarlo. Difícilmente, alguien que tenga fibra sensible y artística puede sentirse atraído por mujeres que cantan llorando o voces nasales aflamencadas, salvo los CI inferiores a la media, sin tener diagnosticada una discapacidad, que tanto abundan hoy en día.

Héroes del silencio puso fin a una etapa de mi vida. Desde mi humilde opinión, la última banda de pop-rock que cierra el siglo de oro de la música pop en España.

Sufrió, como no podía ser de otra manera, el acoso y derribo, la crítica dura hasta la extenuación,  de ciertos medios de información, afanados en tocar la línea de flotación y hundirla. Pero esperar algo de la crítica musical que no suscite urticaria o quemazón es harto difícil, el mismo Beethoven, si hubiese tenido que seguir las líneas directrices del desacertado y prestigioso Allgemeine Musikalischer Seitung, jamás hubiera compuesto ni una sola nota.

Si una música necesita ser acompañada de letra, que sea como la de Héroes del Silencio. Sólo de este modo, entiendo yo, que la alianza música-texto pueda tener una razón de ser.

Muchos habrán que se lleven las manos a la cabeza, alegando que músicos, compositores y bandas "mejores" existen o ha existido, por supuesto, la estupidez no tiene límite, y no lo digo porque me considere un fan incondicional de la banda, que no lo soy, simplemente admiro su verdadero talento creativo.

A mí, me sorprendió gratamente en cierta visita obligada a Düsseldorf comprobar como Héroes del silencio sonaba en una taberna. Con el tiempo, he observado que no sólo es un referente en Alemania, sino en otros muchos países europeos o latinoamericanos.

Yo, en nombre propio, echo en falta bandas como Héroes, y aquel camino que emprendieron mar adentro, no sé si llevó al suicidio, si la exégesis de sus letras tiene sentido o debe tenerlo, pero es de obligado cumplimiento, que quien llegó tan lejos, vuelva para contar como fue aquella experiencia para enriquecernos con ella.

Es necesario, y urgente, bandas como Héroes, ante una perspectiva desoladora de la creatividad nacional e internacional. Bandas que sientan un orgullo de cantar en castellano, catalán o gallego, que se distancien del extranjerismo, que no miren cuánto se va a llenar su bolsillo, si es bueno, seguro que así será, pero sobre todo, que lean y escuchen mucha, pero que mucha música y literatura. Cierto, todo eso es una estética que se funda en el arte como cultura, y no como ocio, pero ese es mi pensamiento y con ustedes quiero compartillo.

Cultura busca padre adoptivo

Sólo el que sabe es libre,
y más libre el que más sabe...
Sólo la cultura de libertad...
No proclames la libertad de volar,
sino dad alas;
no la de pensar, sino dad pensamientos.
La libertad que hay que dar al pueblo es la cultura

Con estas palabras de Miguel de Unamuno en Pensamiento político, podríamos resumir gran parte del contenido de este post.

Diverdi ha cerrado sus puertas el mes pasado, y podría ser anecdótico si uno no tuviera la curiosidad de observar que lejos de ser un caso aislado, tiende a convertirse en una pandemia.

A Diverdi no le ha cerrado el pueblo, que también, con su falta de interés por un bono que se cotiza a la baja: la cultura. Hay también una cita anónima que merece la pena agregar aquí, y que viene a decir: no cabe duda que la cultura, según se observa en prensa, tertulias y medios de comunicación, es el futbol.

No, a Diverdi, el gigante de la opulencia, el omnipresente modelo económico que se pone el disfraz de crisis, con sus exigencias fiscales. le ha cosido la boca, aunque eso sí, permita que su compadre el sistema político, carente de cualquier sensibilidad, actúe con guante blanco saqueando los bolsillos de los de a pie, pero claro, lo de Robin Hood no son más que memeces, siempre el pez grande se ha comido al pequeño. y no a la inversa. Y no me hablen de Revolución Francesa. ni del mayo del 69.

Pero, repito, el propio pueblo, hoy, populacho, está entregado a otras causas, como el mandar mensajitos con cierta aplicación para móviles, el tatuaje o la asistencia a ciertos festivales de verano donde se ponen como ciegos, mientras cierran los ojos quienes llenan sus arcas municipales.

 Aborregado, inculto, maleducado, lo cierto es que a Diverdi, como a tantos otros, se lo han puesto muy difícil, eso sin contar con la permisividad con la que algunos artistas se atreven a abanderar las descargas gratuitas.

No, no son buenos tiempos para la cultura, siempre a la sombra del poder que le aprieta la mano cuando trata de desprenderse de él.

Tal vez, las palabras de Don Miguel de Unamuno estuvieran huecas o, como dice la canción Los tiempos han cambiado. Y si el pueblo no sale a la busca y captura de su cultura, tendremos que deducir que ha renunciado a su propia libertad.

Los viajes del cavquinho: un ejemplo de respeto mutuo

Por casualidad o causalidad, cosas que nadie podría explicar, buscando en cierto portal famoso de videos sobre algunas técnicas para mejorar mi escaso dominio del cavaquinho; encontré unos episodios presentados por Henrique Cazes, llamados como aquella música de Ernesto Nazareth, del cual creo haber comentado aquí en alguna ocasión, como digo, llamado Apanhai-te cavaquinho, considerada una de las primeras músicas del genial compositor y, que daba inicio al choro, aunque en realidad era una polca.

No puedo más que agradecer y elogiar esa labor de Henrique Cazes por sus investigaciones sobre los orígenes y las transformaciones, que no me gusta la palabra evolución, de los instrumentos, en este caso del cavaquinho.

Ciertamente, el documental, que consta, al menos así lo creo, de tres episodios, es un largo viaje que recorre tres puntos principales de desarrollo del instrumento.

El primero, su origen portugués, de donde partió, se transformó y difundió como instrumento imprescindible de la música popular brasileña, especialmente del samba, aunque también, y mucho antes,del choro y el maxixé.

El cavaquinho portugués, es de menor tamaño y, por ende, timbre más agudo, con una técnica más cercana a la guitarra que a los instrumentos de púa. Gracias al profesor Paulo Soares de Coímbra, o a luthiers como Domingos Machado de Braga y Fernando Meireles de Coímbra, y a renovadores como Amadeus Magalhães, el cavaquinho portugués está recuperándose de un largo letargo que le condenaba al olvido.

En mi reciente vuelta a Recife, de la que hablaré en otro post, pude comprobar que aquel cavaquinho portugués nada tiene que ver con el actual brasileño. Las diferencias son tan evidentes que, hasta podríamos hablar de instrumentos diferentes dentro de una misma familia.

El cavaquinho brasileño también tuvo sus momentos de crisis existencial, más supo sobrevivir reforzado por el omnipresente samba. Es un honor tener en vida a grandes maestros como Zê Menezes, una leyenda en la trayectoria de este instrumento, tanto como Mané do Cavaco. Citar aquí a todos los cavaquinhistas o cavaquistas, sería una labor inútil, porque con seguridad, faltarían nombres que hicieron o hacen de este instrumento una parte esencial de la cultura brasileña. Su tamaño, sonoridad y técnica (se toca con púa), evidencian las grandes diferencias o transformaciones que sufrió.

Alguien podría pensar que la historia acaba aquí, pero nada más lejos de la realidad. El cavaquinho también se encuentra en otro punto importante de habla portuguesa, y de una inmensa riqueza cultural: Cabo Verde.

Uno de los grandes responsables de la recuperación del cavaquinho en la música caboverdiana es Bau, y Mindelo uno de sus principales puntos neurálgicos.

El cavaquinho de Bau, un modelo relativamente nuevo, es un poco mayor que el cavaquinho brasileño y puede encontrarse también en su versión de cinco cuerdas.

Como habrán observado, el cavaquinho, ese antiguo instrumento del folclore portugués, se resiste a caer en el ostracismo, y busca nuevas formas de adaptación, hoy en día hasta en la música culta, clásica o como quieran llamarle, pueden oírse piezas interpretadas con este singular instrumento.

Personalmente, alabo cualquier transformación, que desde mi punto de vista, considero positiva, pero me cuesta aceptar la electrificación de estos instrumentos acústicos, cuya sonoridad es muy personal, por el simple hecho de que son acústicos, y fueron pensados y construidos con esta finalidad.

En estos días, percibo con tristeza, desde ese mundo que tanto me irrita del futbol, un cierto rechazo a lo español en Brasil, y como quiera que yo me considero un español con alma brasileña, no puedo entender que lo que un instrumento consiguió pueda el hombre derribarlo. Tal vez, tengamos todos que aprender una nueva lección, una lección que nos llega de un pequeño instrumento de cuatro cuerdas, que viajó haciendo nuevamente que la música sirva de nexo de unión de los pueblos y sus culturas.

Sucedáneo de inmortalidad

Desgraciadamente, un retrato no puede resumir la vida de una persona, si acaso, un instante de ella y aún así, ese momento está condicionado por la subjetividad del artista que pinta y por la, a menudo, anti naturalidad del que posa.

Como gaditano, siempre me he sentido ofendido con la imagen pública de Don Manuel de Falla en el retrato que Zuloaga, por decisión propia, hizo del insigne compositor en 1.932.

Cierto es que Don Manuel de Falla no estaba obligado a posar, y tal vez, por esas extrañas complejidades de la personalidad del compositor, sintió la necesidad de ser recordado con una obra memorable, máxime, viniendo de un gran amigo.

El susodicho retrato no sólo se convirtió en la imagen de culto del compositor para la posteridad, sino que se hicieron réplicas en aquellos famosos billetes de 100 pesetas.

Quienes observen detenidamente el retrato, podrán llegar, tal vez, a las mismas conclusiones que yo hace tiempo llegué.

Primeramente, un Falla senil, de aspecto enfermizo, con traje holgado que lo hace aún más, si cabe, famélico. El compositor, prácticamente ya había concluido su carrera musical,y estaba inmerso en su obra inacabada Atlántida.

El fondo que Zuloaga utilizó para el retrato, no puede ser más dramático, en sus tonalidades y, empequeñece la figura del maestro gaditano.

Tal vez, porque se trataba de Zuloaga, el retrato, como he dicho, se convirtió en santo y seña de la imagen viva del compositor, haciéndole flaco favor a quienes, no ya como paisanos, sino como amantes del arte y de apreciar en qué momento uno debe quedar y en qué forma para la posteridad, como lo hiciera Beethoven, Mozart, Chopin, Albeniz, etc.,  pensamos que no es la mejor imagen que uno le gustaría conservar de Don Manuel de Falla.

Existe un retrato que hiciera Don Daniel Vázquez Díaz (1882/1969) que captura el instante del compositor en 1.919. Apenas un busto lleno de vibraciones y vitalidad, de un Falla como nos gustaría fuese recordado (adjunto enlace)

Manuel de Falla por Vázquez Díaz

Por supuesto, ni la genialidad, ni el reconocimiento que todos tenemos,  guarda relación con un momento fugaz en el que el tiempo queda congelado, frío, mudo, pero puestos a elegir, el retrato de Vázquez Díaz hace más grande y sublime a mi paisano Don Manuel de Falla y, de esta forma, quiero recordarlo.

Grupo Cantadeira: al rescate de la música tradicional brasileña

Una de mis últimas adquisiciones musicales ha sido UM CANTO DE CÁ, del Grupo Cantadeira.

El grupo cantadeira está formado por las hermanas Ligia y Marina Fossa y por Elaine Eco que han puesto la voz a la música regional rescatada de archivos fonográficos olvidados, de la tradición oral y de sus propias experiencias personales desde la infancia.

Ya de por sí, es un trabajo meritorio, que alguien se preocupe y ejerza el papel de arqueólogas del arte y la cultura.

Detrás de este arriesgado proyecto, está el sello independiente Pôr do son, que se caracteriza por apostar en proyectos de esta índole, y que cuenta con un catálogo extenso de artistas y realizaciones.

Las trece canciones que contiene el álbum UM CANTO DE CÁ se salen del espíritu comercial, y de las rutas de moda. Es por lo tanto, diferente en cuanto que suena esencialmente a regional y, quizás éste sea uno de sus máximos atractivos.

En él, circulan diferentes patrones del acervo cultural de Brasil: coco, maxixé, marchinha, etc. Aquellos que conforman la identidad nacional de un país, y un país con identidad es el que huye del tópico del samba, con todo el respeto que éste se merece, para sumergirse entre las aguas del rico repertorio que contribuye a esa misma identidad.

Para quien aún no lo sabe, la canción tradicional, estudiada en etnomusicología, contiene no sólo unas sencillas letras con una música pegadiza, es HISTORIA misma de una forma de vida, del pasado que nos resistimos a recordar porque nos da vergüenza, mientras vitoreamos y ensalzamos las mamarrachadas sin asunto y sin sentido porque nos hace modernos.

El pasado cultural, a veces,  es visto como un síntoma de ostracismo y de paralelismos políticos, sociales, económicos e históricos, que no queremos recordar. Pero esta necedad fomentada por radios, tv, empresarios del espectáculo y "llenabolsillos", están impidiendo el acceso al reconocimiento de la identidad, sin políticas ni patronazgos que quieran arriesgarse en estas arenas movedizas.

Por todo ello, celebro, que el Grupo Cantadeira, que, afortunadamente no es el único que defiende su rica tradición cultural, (Brasil es un país muy apegado a sus tradiciones), haya tenido esa gran idea de mirar atrás, y acercarlo al presente. Deseo que no sea el único, sino el primero de una larga carrera.

Grupo Cantadeira: Um canto de cá

NOTA. Por cierto, yo practico con el ejemplo. COMPRA MÚSICA. NO A LA DESCARGA ILEGAL

Dia mundial contra el ruido

De sobra conocéis mi aversión al "día de...". Pero hay casos en que podría hasta celebrar que, por fin alguien se acordara o, al menos tomase conciencia, de la gravedad contra la salud que supone el ruido.

Podríamos aquí entrar en disquisiciones de qué es el ruido, cuánto es soportable, al margen de los umbrales establecidos por la física, y otras muchas cuestiones que servirán de poco para quienes de forma voluntaria y beligerante actúan sin conciencia, contra aquellos que queremos vivir sin ruido, sin molestias y sin escuchar la última canción de la cantante de turno a toda pastilla.

Porque el problema de ruido no es en sí el ruido mismo. Es una mera cuestión de educación y respeto. Y en las sociedades actuales, al menos, en las que yo conozco, eso no está de moda. Muy al contrario, hay hasta quien se divierte fastidiando a los demás. Las conductas y los patrones de personalidad de nuestras sociedades se están radicalizando, y la figura del otro, no cuenta. A menudo, me encuentro con casos en los que se actúa con mala voluntad, con la única finalidad de hostigar y amargar la vida de los demás.

Por eso, cuando hablemos del ruido, no lo hagamos pensando que es una cuestión puramente natural, el 95 % de los ruidos los produce el ser humano de forma voluntaria.

Yo no creo en soluciones, ni que el día de... sirva para nada, porque a quienes nos molesta de igual modo una sinfonía de Beethoven a más de los decibelios soportables, o la machocona musiquita del inconsciente que pasa con su coche por las calles de cualquier ciudad, les importa un bledo esto del ruido.

Así que, no nos queda otra que sufrir y padecer todas aquellas consecuencias derivadas del infortunio de haber tropezado en nuestras vidas con la actitud negligente de quienes se dedican a perturbar nuestra paz.

Puntualizaciones

En cierto post que escribí en este blog, en el que hacía referencia a la música americana quisiera puntualizar, que no rectificar.

Efectivamente, no quise decir que toda la música americana sea vulgar, sino que una parte de ella, con toda certeza, lo es y en menor medida, actualmente se hace música de calidad especialmente minoritaria.

Es sensato pensar, y yo también lo hago, que no es un fenómeno exclusivo de EE.UU. (al que me referí en dicho post), la tendencia actual, aunque exista la globalización, internet y una expansión de los medios de comunicación es que, ciertos artistas de talento pasen desapercibidos en cualquier rincón del planeta.

Hago esta puntualización porque me gusta ser coherente con lo que escribo, y en muchas ocasiones he

 manifestado mi admiración por ciertos compositores norteamericanos que se dedican a la música para el cine.

Quisiera ir más allá añadiendo que los Estados Unidos de América, aún con una historia mucho más reciente que Europa (al menos desde la colonización), como el resto de las Américas, han ido afianzando y dando forma a su propia idiosincrasia musical, fruto del intercambio de culturas europeas, africanas y nativas, y en consecuencia a un patrimonio popular que le corresponde por derecho propio, y que define sus parámetros de géneros y estilos.

Aclarada la posible confusión e indignación que dicho post pudo ocasionar, lo que venía a referirme es que, sin lugar a dudas, talentos haylos, pero no todos los que brillan como tal, poseedores de fama, nadie lo duda, pero eso... eso es otra cosa.

Bebo Valdes: hasta siempre, maestro

Sin lugar a dudas, a Bebo le sobran admiradores, amigos, seguidores, y lo escribo en presente porque la amistad es algo que trasciende cualquier temporalidad.

Como otros muchos cubanos, se ha ido sin poder saborear ni despedirse de su linda islita, donde las haya.

Seguro que allá, los que viven en la utopía de una tierra verdaderamente libre, le habrán llorado.

Bebo, no sólo era un buen pianista de vocación, con una sensibilidad extraordinaria, era, especialmente, la esencia del alma cubana: sencillez, amabilidad, altruismo, y ese sentido del humor propio del Caribe.

Aquellos que de una u otra forma hemos mantenido un lazo muy directo con Cuba, saben de lo que estoy hablando.

Nunca se olvidó de su tierra, como buen cubano, llevando allí donde estuviera su cultura y su música, con esas manos prodigiosas que acarician las teclas del piano a ritmo de rumba, guaracha, son, guaguancó o cualquier otro estilo al que pudiera extraerle lo mejor, incluso en las fusiones, Bebo era un maestro en la adaptación y en la mezcla dándole su propio sello personal.

No sé como le trató la vida, pero aún así, en el exilio, en esa tierra de nadie en la que se sienten todos los que dejan su pedacito de tierra en busca de una vida digna, aún así digo, consiguió llegar a sus 94 años, y con la seguridad con la que cualquier músico podría afirmar, no le faltó ni un instante el apoyo que un instrumento musical puede aportar, y llenar los vacíos físicos y emocionales.

Compay, que usted lo toque bien allí donde esté, maestro.

El ocaso de los dioses

La vida de un músico, en general, es corta, especialmente las que ponen su propio instrumento al servicio de este arte, es decir, los cantantes.

No son casos excepcionales, muy pocos consiguen sobrevivir al paso inexorable del tiempo. J.S. Bach se había retirado antes de su muerte, Farinelli había pasado sin tránsito del cielo al infierno cuando los "castrati" dejaron de ser un interés para el gran público, y la ópera,  adquirió otras formas de expresión.

Pero en ambos casos, no fue tanto la pérdida de facultades, sino las exigencias de los períodos estilísticos que le tocaron vivir.

No hay mayor frustración en la vida que la pérdida de las cualidades vocales, del timbre, de la potencia y la frescura, y esto lo saben bien aquellos que trabajan con la voz. Es aún peor que la falta de interés o haber pasado a un segundo plano en popularidad. Pero no es una cuestión exclusiva del cantante este deterioro natural al que se expone nuestro organismo. Los instrumentistas no están exentos de las limitaciones que el transcurrir de los años y la fatiga profesional produce en ellos. A veces, una mala práctica o un exceso de confianza acaba con la vida artística en un abrir y cerrar de ojos, valga el caso de Robert Schumann.

Existen, por el contrario, muchos profesionales del arte que hacen bien en dosificar su talento, teniendo en cuenta la brevedad del éxito y la protección de la diosa. Otros, han sabido replantear su carrera adecuándose a sus nuevas limitaciones.

En cualquier caso, siempre está en la elección de cada uno saber aceptar que no todo dura para siempre, y el talento también es víctima de la huella, no sólo del olvido, sino consustancial a la naturaleza misma.

Siga los circuítos oficiales

Internet es una buena herramienta de promoción, no cabe duda de eso. Cada vez más, las compras online gozan del interés del consumidor.

Suele suceder, como todo en la vida, beneficiarios no autorizados que tratan de ganar dinero a costa del trabajo de los demás. Creo que esto les suena.

Bien, por eso, os recomiendo siempre, que cuando adquiráis cualquier álbum o producto de berekekê, utilicéis los circuitos autorizados. Seguramente, como consumidor usted no pierde nada, pero impide que el propietario de ese derecho  pueda beneficiarse de las ganancias que le corresponden.

Actualmente, existen varios sitios en la red que comercializan mis trabajos. Os facilito una lista de aquellos que son verdaderamente fiables:

Web Oficial,

CD Baby

Amazon

iTunes

Spotify (O último tucunaré)

7 digital

Google Music Store

Shazan

Tradebit

Deezer

MediaNet

XboxMusic

Cuentos en blancas y negras (partituras)

En la Web Oficial está ya a la venta Cuentos en blancas y negras (partituras) 

Estudios de piano para niños.

La edición de este método de estudio de piano nació en 2.010. Las editoriales rechazaron el proyecto, pero ahora lo podéis conseguir en formato pdf en archivo comprimido .RAr o ZIP previo pago.

Se trata de una obra anterior a la versión para dos pianos que aparece en el álbum TRIPARTITO 2.011, encaminada a ofrecer un atractivo y ameno método para los niños estudiantes de piano o para aquellos interesados en el mismo.

Enlace a la Web

RECAPITULANDO: diez años de música

Desde aquel MIRADORES de 2.003 hasta hoy no sólo han transcurrido diez años. He visto cambios en mi manera de componer, de orquestar, aunque siempre he sido fiel a mi propio estilo con el piano y la orquesta sinfónica como base de mis composiciones.

Recapitulando tiene, aún siendo consciente de estos cambios, señales de todos aquellos trabajos que publiqué en estos años pasados. Destellos de momentos que se quedan en mi memoria y en mi corazón.


Para hacer honor a la verdad, no he sido un artista de éxito, sigo siendo apenas un poco más conocido, pero mis obras no han tenido repercusión alguna, ni se han vendido todo lo que yo deseaba. A fin de cuentas, ese dinero no era para mí ,sino para  donar. Sería un necio si no reconociera que como cualquier artista, no hay mayor satisfacción que aquella de que otros admiren y contemplen tu obra. Pero esta no es otra que una más de las jugadas del destino de mi vida, no sólo artística.

La portada que he utilizado y creado para este álbum dice mucho de esa situación de anonimato en el que vivo. Un traje de estreno en un perchero cuelga de las puertas de un armario. No es necesario comentar más, el traje nunca fue estrenado, dado el escaso interés de otros músicos para llevar a cabo un proyecto de música en vivo y creo que seguirá allí colgado mucho más tiempo.

Hagamos un recorrido discográfico:

Miradores era un álbum fresco, lleno de ideas y versatilidad. En él, un joven, de 37 años se atrevía a dar el paso en el mundo de la creación musical. Desde un mirador, como he retitulado a este año, las cosas se ven de otra manera; han cambiado mucho. He perdido la frescura de aquellos años, pero he ganado en experiencia y exigencia en presentar trabajos dignos. Por el contrario, he sabido mantener mi independencia.

Un largo lapsus de tres años dieron frutos en dos ambiciosos proyectos que han tenido caminos diferentes. SIETE PIEZAS CHINAS ,con ese doble juego de palabras, ha tenido más aceptación en estos años, y me alegro por ello. Sirvió para pulir mi estilo, para trazar una línea a seguir y que aún continúa siendo mi seña de identidad: un concepto único que se desarrolla en varias ideas. Sin embargo, y lo lamento, por la injusticia que con él se comete, PLATEROIDEOLOGÍA no siguió la misma senda, tal vez, no fue entendido o, contenía demasiado arraigo regionalista. Pero no hay padre que  quiera a un hijo más que a otro, y para mí, este álbum contiene mucha más profundidad de la que de él se extrae y, musicalmente, es rico en ideas desde la propia caracterización de Platero a cualquiera de los protagonistas o situaciones que en él aparecen. Parte de este tributo al orientalismo se lo lleva El arte oriental en papel, mientras que parte también de esa sangre andaluza queda reflejada en De un burro andaluz.

En realidad, siempre ha habido algo de confusión con Así en la Tierra...
Para empezar, corresponde más a 2.007 que al año en que se publicó, pues todo el material nació en ese año. En segundo lugar, he visto en algún que otro medio, que pretende vender mi música que, se trata de Tri Hop  ¡nada más lejos de la realidad! , parece una broma de mal gusto y una ignorancia supina situar este trabajo en esos lares.

En tercer lugar, algunos piensan que es un álbum sobre mitología griega y romana.

Así en la Tierra... , efectivamente, toma nombres de dioses y diosas de la antiguas tradiciones, e incluso personajes que sin ser dioses guardan cualidades mitológicas. Pero la sustancia de este álbum está en su propio título, y que es una referencia a la ley fundamental de Hermes Trimegisto: Como es arriba, es abajo. Esta representación tenía como objetivo la relación entre ambos planos. Marte y el mundo violento que vivimos, Dionisios y la pérdida de valores, Afrodita y las excentricidades venusianas y lujuriosas, a veces, aterradoras del mundo de la sexualidad: zoofilia, pedofilia, etc.
Por eso, Paralelos herméticos. El álbum, que como he dicho fue publicado en 2.008, rompe con la línea de los anteriores en cuanto a orquestación y arreglos. En esto años, ha sido muy seguido y no puedo más que alegrarme por ello.

Sin duda, el álbum más esforzado, minucioso, trabajado al milímetro fue El águila robada, publicado en el mismo año, meses después. Mantiene rasgos de Así en la Tierra.. en cuanto a samplers, efectos sonoros, etc. pero es un trabajo más tradicional, que pretendía acercarse a la cultura de los indios de Norteamérica. Disfruté mucho con este trabajo y de él nace Un águila mística.

Asnografía, que vio la luz en 2.009, ha sido un álbum incomprendido también. Digamos,  que ha corrido la misma suerte que Plateroideología ,publicado algunos años atrás. Ambos mantienen similitudes, pero también extremadas diferencias en estilo y composición. A él le corresponde la otra mitad de Un burro andaluz.

La propuesta de 2.010 fue O último tucunaré. Es un álbum muy personal, que desvela mi gran pasión por Brasil y su cultura. Tal vez, fue mal interpretado, pero siempre explique que no pretendía hacer un álbum de música brasileña, sino inspirado en ella. Es cierto, por lo tanto, que Achorado tiene poco de choro, y así sucede con otros temas, pero era esa la intención, mostrar mi propia percepción. Aún así, ¿Quién podría discutir que Rei Borguetti no tiene los colores del sur de Brasil y la música gaucha?¿Tres mães d´agua el perfil del candomblé y la música ancestral y religiosa de la cultura negra?. Mi mayor satisfacción de este álbum fue el reconocimiento de la Agenda Cultural de Recife, en Pernambuco que dedicó una reseña al mismo. Nunca lo olvidaré. De estas andanzas y experiencias sonoras, como no puede ser de otra manera, nace Saudades dum tucunaré.

Otro de mis álbumes incomprendidos fue Cuaderno de campo: de marismas, ríos y mares 2.011. Y a decir verdad, no lo entiendo. Estoy muy satisfecho de este trabajo, creo que abrió una nueva etapa en mi forma de componer. Quizás, ese concepto de trío tuvo algo que ver para que no recibiera una buena acogida, pero era un reto para mí hacerlo de este modo. Notas naturales es el recuerdo de este año.

Dos mil once fue, sin lugar a dudas, uno de los años más fértiles. Tres mundos diferentes se dieron la mano en Tripartito. Un trabajo colosal, muy cuidado y, por supuesto ,variado. Mis frustradas intenciones de un método para  niños aprendices de piano, se convirtieron como en esa magia de los cuentos, en una obra creativa a dos pianos. Por otro lado, Invernal, sin mucho éxito , era una experiencia de la que guardo gratos recuerdos y sobre todo Ecce Mater, también poco entendido,  la cumbre de las combinaciones instrumentales para alguien que no estudió orquestación. Sintetizar este álbum es muy difícil. Por eso, me quedo con !Que suene el cuento¡ en clara alusión a Cuentos en blancas y negras.

Otro punto de inflexión en mi carrera de compositor fue El mundo de Hojyo Takashi. Dudo que Takashi haya oído ni una sola de las piezas, pero aún así no dejaré de reconocer su talento en el origami. Era una apuesta arriesgada y, de hecho, poco valorada, no tuvo la repercusión de Siete piezas chinas, algo más asequible al oído. Pero me sirvió para investigar y adentrarme en la música nipona, y en la asiática en general. Abrió mis estrechas puertas a otros mundos sonoros que se salían de la fuerte y marcada tendencia tonal de mis obras. La otra mitad del reconocimiento de El arte oriental en papel.

Hasta aquí este recorrido musical de diez años revivido en estos ocho temas.

Puedo decir, con total franqueza, que muchas veces he sentido el deseo de abandonar, que tal vez no tengo nada que ofrecer, que la música hoy está en otros caminos que yo no quiero explorar, que el hombre moderno se ha olvidado de los matices, de las dinámicas, de los crescendi, pianos, ritardando y prefiere algo más fácil y menos exigente, ha abandonado la idea de intelectualidad musical por mero disfrute placentero.

Sin embargo, cuando veo las visitas a mi blog, a mi web oficial o las compras escasas y ridículas, pero necesarias para mantener la autoestima,  sigo pensando en aquel post que escribí : familiarmente en minoría.

A esa minoría, anónima para mí, dedico estos diez años de carrera. A los viejos y a los nuevos que se acercan a berekekê. Gracias.

Recapitulando

El estilo galante, ¿quien se acuerda?

Sin duda, uno de los momentos cruciales en la Historia de la Música fue el Clasicismo. De hecho, como es bien sabido, mal llamamos Música Clásica a la Música Erudita, que por otra parte, es la que se corresponde con el Barroco tardío de J.S. Bach y otros compositores.

Esta música clásica, comienza, precisamente, con esa oposición frontal al periodo anterior, al que por otro lado, se le denominó, según algunos, barroco de un modo despectivo por lo sobrecargado, aunque sobre esto existen muchas lecturas.

Como cualquier periodo de la Historia, fue un proceso gradual, que desembocó en el estilo galante quien también tendrá su antagónico en el estilo sentimental alemán.

Muchos podrían pensar que esto del estilo galante tuviera algo que ver con cierto refinamiento o movimiento cívico, y no estarían del todo desacertados si pensamos o comparamos los modelos sociales actuales, tan carentes de lo elemental para la relativa convivencia necesaria con un sector, SÓLO un sector de la sociedad de aquella época que había encontrado el equilibrio para que las pautas de comportamiento y actitudes fueran un ejemplo para el resto de la sociedad. Y aunque corruptos siempre los hubo, para mi yo quisiera tener aquel modelo, no ya del estilo galante, sino de un largo periodo histórico y tan lejano que ha olvidado el lugar dónde situar razón-emoción.

No vamos a engañarnos, la convivencia y los patrones que rigen nuestras conductas dejan mucho que desear y los ejemplos no vienen precisamente de arriba, ahí tenemos el caso del presidente de la CEOE desmintiendo la aguda situación, o ironizando sobre ella, de muchos españoles.

Y ustedes, con total diligencia me dirán que demonios tiene esto que ver con el estilo galante.
Bien, si hay algo que caracteriza a este modelo de concepción musical, como hemos dicho, es su oposición al recargado estilo barroco. Por tanto, se preocupa de lo ESENCIAL. Algunos, injustamente, han considerado que el estilo galante está relacionado con "lo fácil", nada más lejos de la realidad, porque sería confundir lo escueto, lo fundamental con la monotonía, la vulgaridad o la simpleza.

Otra de las características del estilo galante es la obsesión por el EQUILIBRIO de las frases, es decir, la REGULARIDAD.

Y así, podríamos seguir dando algunas pinceladas más.

Donde quiero llegar es que, hemos sobrecargado las emociones, los impulsos, y observo mucho salvaje por ahí suelto, y poca lógica y sentido de la normalidad. Estamos, ciertamente, sobrecargados, tanto, que hemos dado la espalda a la esencia de las cosas y hemos confundido el continente por el contenido.

No estaría de más recuperar ese estilo galante, tal vez no tanto en su concepción musical, sino de "manual de las buenas maneras y comportamientos".

Demos una oportunidad a la razón, y restemos el barroquismo de los impulsos y las emociones, que si bien son tan óptimos para el arte, a veces combinan mal con el modelo social deseado.

Ironías de la vida de un compositor

No, no es casual este espacio de tiempo sin escribir nada. Ya conoceis la urticaria que me provocan estas hipócritas fiestas de amor y felicidad.

También debo decir que cierto "intelectual" en un programa de televisión me deprimió bastante cuando dijo, que los blogs no sirven para nada, pues no tienen valor científico alguno y no los suelen leer nadie.
Bueno, yo le animaría a que visitara este y diera una hojeada al libro de visitas.

Pero no es el motivo que me trae aquí.

Conocéis que soy un oyente asiduo a RNE Clásica, el único programa de música clásica nacional que merece un elogiado premio por su heroicidad en estos tiempos de mantener a buen recaudo el material de nuestra historia musical.

Emitían por aquel entonces, no recuerdo exactamente cual programa, Le Tombeau de Couperin de Maurice Ravel.

Me sorprendió gratamente tanto la versión pianística como la orquestal del compositor (cuatro primeras). Siempre tenemos la tendencia de encasillar a los compositores, y a veces, una obra se convierte, más que en un libro de cabecera, en una sentencia de muerte. Vengo a referirme al ya tan más que conocido Bolero que compusiera Ravel.

Y no porque le tenga manía a esta obra, me parece tan extraordinaria como cualquier otra, sino porque el exceso siempre acaba con la pasión y la ilusión, además de reducir la carrera de un artista a un sólo momento de su vida. Es frustrante, cuanto menos.

Le Tombeau, no voy a entrar en detalles, os remito al programa que podéis siempre escuchar en la web de RNE Clásica grabado, es una suite sorprendente por varios motivos.

El primero, porque al tratarse de un concepto con tintes funerarios, en principio en homenaje a Couperin, se presenta de una alegría desconcertante, al menos desde el punto de vista occidental en el que la muerte tiene un carácter demasiado serio.

La segunda razón es que,  Ravel hizo varias dedicatorias en una sola obra: a Couperin, a la música barroca de todo este siglo y creo, que la razón principal, a sus compañeros muertos en el frente de batalla de la 1ª Guerra Mundial.

Hay algo que verdaderamente me sorprende aún más. La obsesión de muchos compositores de participar en conflictos bélicos. La lista puede ser bastante extensa.

El artista asume en estos casos el sentido de un deber, desde mi perspectiva absurdo. El músico se hizo para la música y el soldado para la guerra.

Por ironías de la vida, Ravel cayó enfermo, y tuvo que resistirse a tener un papel en aquella contienda que enfrentó a los pueblos.

En cierto post comenté que la música es absoluta y está por encima de elucubraciones e ideologías. Sí, ya sé que muchos dirán que Beethoven en la 9ª cantó a la libertad y en la 3ª a un, por entonces, supuesto héroe militar. Pero es absurdo pensar que el sonido, las notas musicales, las melodías puedan reunir, por muy buena intención que se ponga en ello, tales acepciones y que todo es apenas una conjetura o, si quieren, una fuente de inspiración. Otra cosa es la Retórica musical o el Pathos, pero incluso éstas no son más que reglas que el hombre ha creado para diferenciar musicalmente estados de ánimo como aquello del modo menor triste y el modo mayor alegre. Hay una gran carga subjetiva y heredada en esto.

Por eso, puede ser que Le Tombeau de Maurice Ravel tenga más sentido entenderlo así, no siendo esclavo de nuestros prejuicios, sino con la mente abierta de quien escucha apenas sonidos.